C’est une renaissance patrimoniale attendue de longue date : l’hôtel Mezzara, chef-d’œuvre d’Hector Guimard niché au cœur du 16ᵉ arrondissement de Paris, rouvrira ses portes en 2027 sous une toute nouvelle vocation – celle de musée dédié à l’architecte emblématique de l’Art nouveau français.

Un joyau méconnu de l’Art nouveau

Construit entre 1910 et 1911 pour le fabricant de tissus Paul Mezzara, ce magnifique hôtel particulier est l’un des plus beaux exemples de l’esthétique organique et fluide propre à Hector Guimard. Vitraux, ferronneries, boiseries, tout y respire cette alliance de fonctionnalité et de poésie qui fit sa renommée, notamment avec les bouches de métro parisien qui portent encore sa signature.

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Classé Monument historique depuis 2015, l’hôtel Mezzara était resté fermé au public pendant des décennies, propriété de l’État puis laissé en quête de projet. C’est désormais chose faite : la Fondation Guimard, nouvellement créée, a obtenu un bail emphytéotique de 60 ans afin d’y installer un musée vivant dédié à l’Art nouveau et à son plus grand ambassadeur.

Un musée immersif, vivant, habité

Le projet, ambitieux, a été conçu non comme une simple vitrine mais comme un lieu habité, à l’image de la Villa Majorelle à Nancy ou du musée Horta à Bruxelles. L’intérieur de l’hôtel sera restauré dans l’esprit originel d’ Hector Guimard, intégrant du mobilier d’époque, des objets usuels, des maquettes et des documents d’archives – mais aussi des installations contemporaines pour faire dialoguer l’Art nouveau avec notre époque.

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Une librairie, un café, des ateliers pédagogiques, des résidences d’artisans et des expositions temporaires viendront compléter l’offre culturelle de ce musée pas comme les autres, qui ambitionne d’atteindre les 50 000 visiteurs annuels.

Une reconnaissance tardive, mais méritée

Longtemps négligé par les institutions, Hector Guimard connaît aujourd’hui une véritable réhabilitation. Tandis que ses œuvres s’arrachent à l’étranger, la redécouverte de son génie en France s’inscrit dans un mouvement plus large de valorisation du patrimoine Art nouveau.

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L’ouverture en 2027 du musée Guimard marquera une étape décisive dans cette redécouverte, et redonnera vie à un pan entier de l’histoire de l’architecture française, entre utopie sociale et esthétique totale.

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Créée en 1947 par les collectionneurs d’art Frits Lugt et Jacoba Lugt-Klever, la Fondation Custodia occupe depuis 1953, au 121 rue de Lille, l’hôtel XVIIIème du contrôleur des finances Turgot, lequel fut enfermé en 1895 au sein d’un immeuble moderne par le comte de Lévis-Mirepoix. La collection du couple hollandais est depuis lors conservée dans cet hôtel français, dont les intérieurs ont été remaniés « à la hollandaise », en référence aux tableaux du Siècle d’Or que connurent les Pays-Bas grâce, entre autres, à Johannes Vermeer ou Pieter de Hooch.

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Avec ses 7 000 dessins, 15 000 estampes et 450 peintures portant sur tous les genres du XVème au XVIIème siècle, la Fondation s’impose depuis plus d’un demi-siècle comme la « maison de l’art sur papier » en France. Les dessins et estampes mobilisent l’ensemble des écoles européennes, mais les maîtres hollandais et flamands dominent l’ensemble. La quasi-totalité de l’œuvre gravée de Rembrandt y figure, aux côtés de l’une des plus importantes collections de lettres d’artistes au monde, rassemblée par Frits Lugt et comptant les signatures de Michel-Ange, Albrecht Dürer, Paul Gauguin ou encore Henri Matisse. Un fond de près de 300 tableaux européens du XIXème siècle ainsi qu’un millier de cadres originaux complètent cet ensemble réfléchi.

Rotterdam, Amsterdam, Paris : hommage à Ger Luijten

Né en 1956, Ger Luijten entreprit, à l’âge de 23 ans, des études d’histoire de l’art, après s’être formé au métier de professeur de dessin. Il mènera aux Pays-Bas une carrière muséale fulgurante, alliant à l’œil de l’artiste le talent de l’acquéreur avisé. D’abord conservateur du musée Boijmans Van Beuningen de Rotterdam puis conservateur du département des arts graphiques du Rijksmuseum d’Amsterdam, qu’il dirigera, il révolutionne son métier en éditant la collection Hollstein. Ces catalogues de gravures hollandaises et flamandes, paraissant depuis 1949 sont, sous son impulsion, révisés : y sont ajoutées des analyses portant sur les inventeurs et les éditeurs des gravures, lesquelles sont reproduites.

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Les travaux du Rikjsmuseum au début du XXIème siècle le poussent, à la suite de Mària van Berge-Gerbaud, à prendre la direction de la Fondation Custodia à Paris. Deux après la mort prématurée de son directeur, l’établissement présente une exposition consacrée à sa politique consciencieuse et passionnée. Spécialiste international de l’estampe néerlandaise, il ouvrit un fond alors axé sur les œuvres flamandes et hollandaises aux artistes allemands et anversois. Il acquit également 600 tableaux de plein air durant son directorat, actant la diversification de la fondation et en faisant ainsi un lieu de plus en plus connu des amateurs.

Au travers d’une exposition baptisée « Douze ans d’acquisitions de Ger Luijten », l’endroit rend hommage à « un œil passionné », qui fit entrer quelque 10 000 œuvres dans ses collections depuis 2010. Un parcours organisé par technique brosse un large portrait de l’histoire de l’art, de XVème au XXIème siècle.

Nos coups de cœur

L’exposition est organisée autour de onze thèmes chers à Ger Luijten. On relèvera pelle-mêle : des dessins sur livres ; des esquisses à l’huile ; une multitude d’estampes anciennes ; des dessins du XIXème siècle ; plusieurs tableaux de maitres du XVIIème siècle ; une sélection de portraits miniatures ; le carnet des 333 oiseaux de Peter Vos ; le livre-hommage des frères Goncourt au peintre Paul Gavarni ; ou encore des lettres de Théodore Géricault, Ingres, Edouard Manet et autres. En voici un avant-goût.

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De l’Irlande jusqu’à Mazâr-e Chârif, en passant par la corne de l’Afrique, c’est au théâtre Rive Gauche que Joseph Kessel ressuscite. Un décor dévoilant peu à peu ses secrets, quelques airs du chant des partisans et les mots sublimes de Mathieu Rannou, voilà de quoi nous entraîner dans un voyage fabuleux. Un périple qui prend vie dès l’entrée sur scène de Franck Desmedt. Frénétique, bravant l’héroïsme kesselien, notre acteur nous suspend au goulot de l’aventure. Il nous fait traverser, avec audace, la guerre, la répression par les blacks and tans en Irlande, où l’on entend encore la plainte des fées. Franchissant la mer Rouge, on retrouve Henri de Monfreid, à la barre de son boutre, ou battant la brousse africaine sur les airs d’un vieux piano. Un peu plus vers l’Est, c’est en Afghanistan que l’on rejoint Kessel, accompagné des grands héros du bouzkachi, célèbres seigneurs des chevaux.

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Les mots d’ordre : « écrire » et « boire ». Que ce soit dans l’atmosphère humide d’un pub ou dans une gargote ventilée au cognac, les beuveries s’estiment au nombre de verres brisés et aux défis échangés. Kessel ou Jeff, selon l’envie de Matthieu Rannou, ce sont aussi des phrases qui résonnent. On rend grâce à l’auteur de nous offrir un récit qui reprend l’art kesselien, nous permettant d’oublier un rire, une larme, animés d’un rêve avide que tout recommence. Comme le dit si bien notre metteur en scène, « la plus belle aventure est tout simplement celle qui n’a pas encore été vécue ». Cette pièce est bien une aventure, où nous pouvons trinquer avec le risque, la frénésie et le sublime.

Dans la peau de ses nombreux personnages, Monfreid, André Chamson, osant mimer élégamment, tout en changeant de ton, Franck Desmedt semble changer de visage. De l’émoi au burlesque, de l’ivresse à l’abnégation, autant de figures que d’émotions. Kessel, c’est un metteur en scène et son acteur, unis sur le plateau, au service de l’inaccessible. A travers ce récit épique de la vie de Kessel, un message se présente à nous, avoir soif de tout et avoir l’audace d’y goûter.

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« Vite, vite, ami, partons pour les féeriques régions du cristal ». Du 26 septembre 2023 au 14 janvier 2024, le musée de Cluny, musée national du Moyen Âge, propose une exposition intitulée « Voyage dans le cristal », en collaboration avec le musée du Louvre et avec le soutien de l’Ecole des Arts Joailliers. Les deux commissaires d’exposition, Isabelle Bardiès-Fronty, conservateur général du patrimoine au musée et Stéphane Pennec, archéologue et conservateur-restaurateur réussissent à cette occasion leur pari : celui de nous faire voyager, tant au travers du temps que de la matière.

Ainsi intitulée d’après le roman fantastique de Georges Sand Laura, sous-titré « Voyage dans le cristal » et paru en 1864, l’exposition est d’abord un hommage à l’évasion que procure la minéralogie. Georges Sand, que le musée de Cluny encense déjà pour la découverte en 1841 des tapisseries de La Dame à la Licorne, avait conduit Walter, le héros de Laura vers l’hypnotique et mythifié monde des Esquimaux. Elle est à nouveau le passeur des néophytes pour ce si surprenant monde minéralogique : « Regarde donc où je t’ai conduit et reconnais que j’ai ouvert tes yeux à la lumière du ciel ». Fascinant pour sa transparence et sa capacité à diffracter la lumière, nous offrant mille et une compositions, le cristal est tant un objet de science que d’art. Il a pourtant longtemps été l’objet d’interrogations.

Un objet de science, d’art… et d’interrogation

On trouve des gisements de quartz hyalin partout : les plus connus se situent en Allemagne, dans les Alpes, en Arabie, aux Indes, au Pakistan, au Sri Lanka, en Amérique du Nord et du Sud et à Madagascar. Toutes les civilisations lui ont accordé une place dans leur spiritualité. Toutes l’ont considéré, travaillé, lui ont donné un rang, jamais des moindres. Appréhendé par Strabon comme krystallos, « glace » ou « eau gelée », il a été repris par Pline l’Ancien et occupe ainsi, de l’Antiquité jusqu’au premier cristallographe, la primauté dans tous les ouvrages de sciences naturelles. L’encyclopédiste Barthélemy l’Anglais (1202-1272), le définit, dans Livre des propriétés des choses (1247) comme une pierre reluisante et clere, qui a la couleur d’yaue, car il est engendré de nege ou de glace endurcie par moult de temps ».

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Cette approche pré-chimiste est remise en cause par Anselme Boèce de Boodt (1550-1632), qui ne parvient pourtant pas à expliquer l’origine de la pierre. Seul Jean-Baptiste Romé de l’Isle (1736-1790) y parvient en 1783 et mentionne le quartz, qu’il distingue encore du cristal. C’est la chimie du deuxième XVIIIème siècle qui permettra de considérer le cristal de roche comme un quartz. La portée symbolique de cette « mère des gemmes », responsable des propriétés de toutes les autres, fut longtemps issue, en Europe, de l’analyse du médecin Jean de Mandeville (1300-1372). Cette conclusion, curieuse pour nous, qui séparons le règne minéral du règne du vivant, conférait aux gemmes claires une vie rythmée par la naissance et la mort et faisait du cristal, par analogie, un conducteur de fécondité favorable aux mères.

Une gemme pour le sublime

Caton l’Ancien avait déclaré que « la vie humaine est comme le fer, elle s’use dans la pratique et se rouille dans l’inaction ». L’observation de l’utilisation par les hommes du cristal de roche nous permet de compléter cette analogie métallurgique en y introduisant une réflexion minéralogique. La vie humaine si elle s’use et se rouille, peut aussi se sublimer : tel est le rôle du cristal. Propice à la glyptique, l’art de la gravure, le cristal est partout, ce que nous montrent de nombreux travaux d’artistes au cours des siècles. Des perles de Tello (Irak) à l’Aphrodite accroupie de la Villa Getty, l’Antiquité représente un passage dans la sphère figuratif pour le cristal. On appréhende ainsi beaucoup mieux le travail minutieux des bagues papales du XVème siècle ou de la Chute de Phaéton en cristal gravé par Giovanni Bernardi (1494-1553) d’après un dessin de Léonard de Vinci.

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L’art européen comme oriental s’est saisi de cette matière, nous léguant un indice symbolique et spirituel sur son utilisation. Reliquaire de Saint Luc, collier à boule de Chilpéric, phylactère de Saint Hubert, châsse de Sainte Fausse : le cristal s’impose comme un moyen de visiter, plusieurs siècles après, les ateliers d’artisans dévoués répondant aux commandes des puissants. Le prêt par le musée du Louvre du Salvator Mundi de Joos Van Cleve (1485-1541) sublime cette relation, le Christ porteur d’un globe de cristal trônant au milieu du frigidarium clunisien transformé en Jérusalem céleste. On devine un jeu millénaire d’exposition des œuvres médiévales aux variations de la lumière, reflet de la puissance ecclésiastique. De nombreux objets moins attendus, telle une aiguière à forme de dragon de l’atelier des Saracchi, artisans lapidaires milanais, nous plongent dans l’usage profane de la matière, souvent conviée à la table des rois de France.

Un pont entre les hommes

L’usage du cristal pourrait être un objet anthropologique, tant la matière fut utilisée par les civilisations les plus éloignées. L’énergie vitale attribuée au cristal trouve une illustration dans l’association amérindienne d’un quartz et d’une dent, sans doute à fin rituelle. Un polissoir à papier iranien portant une inscription coranique, l’intégralité de la sourate « Ya-Sin », lue en cas de guerre, de voyage ou de maladie nous renseigne sur la façon dont le monde médiéval relaya la fonction divinatoire de la gemme.

La Renaissance et son nouveau regard apporté sur Euclide pousse Luca Pacioli (1447-1517), par son De Divina Proportione (1498) à adopter un regard géométrique sur le cristal. Albrecht Dürer (1471-1528) en déploiera les volumes tandis que les sculpteurs de vanités italiens feront les joies des grandes familles princières. Le quartz sera également partie prenante au XXème siècles et aux aventures de l’optique et du surréalisme. Revanche de la matière sur les hommes, le cristal sera aussi le support de l’une des plus belles blagues modernes : le crâne de cristal prétendument précolombien. Une série de crânes « découverts » au XIXème siècle et attribués au Mictecacihuati aztèque, tel celui longtemps exposé au musée d’Ethnographie du Trocadéro ne sont en effet considérés comme ce qu’ils sont, soit des créations allemandes contemporaines, que depuis quelques petites dizaines d’années. Le sujet fait sourire et évoque tout un pan de la pop-culture amatrice de prêt-à-penser, tel le Royaume du crâne de cristal qu’explore l’aventurier Indiana Jones (Steven Spielberg, 2008).

L’exposition poursuit sa réussite en montrant les capacités actuelles du cristal, qui, s’il est bien un minéral, reste un moteur vivant pour nos artistes. L’un d’entre eux, Patrick Neu, invité de l’exposition réinterprète certains motifs artistiques sur cristal : une scène de bataille sur un verre de cristal au noir de fumée, ainsi qu’une danse macabre dessinée sur la matière brute.

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Auteur de spectacles déjà reconnu, Corentin Stemler présentera cet été à Paris son plus gros projet, dont le sous-titre, « le spectacle hommage à Notre-Dame de Paris », parle seul. Bénévole de la Cinéscénie du Puy du Fou depuis 2008, écrivain de théâtre depuis l’âge de dix-huit ans, ce vendéen étudiant en droit dévoile « une grande fresque historique » prenant la cathédrale Notre-Dame de Paris comme point d’attache. Depuis le chantier du XIIIème siècle à celui, actuel, de la reconstruction, il entend faire découvrir les événements marquants du monument en 1h30. L’arrivée de la Couronne d’épines le 18 août 1239, le vœu de Louis XIII, les saccages révolutionnaires, le sacre du 2 décembre 1804, l’abandon terrible dont témoigna Victor Hugo, la restauration d’Eugène Viollet-le-Duc, le Te Deum du 26 aout 1944, l’incendie du 15 avril 2019 et l’ambition de la reconstruction : tous ces évènements seront convoqués en 18 tableaux.

A l’œuvre depuis juillet 2019 pour la construction de ce projet, Corentin Stemler et sa société Symphonia productions ambitionnent de présenter « une synthèse fidèle » des héritages laissés par Victor Hugo et Paul Claudel, dont un poème sera lu lors de la représentation. Sorte d’Objet Scénique Non-Identifié au service du voyage temporel, l’œuvre de ce passionné associera au théâtre une bande-son, composée d’une voix-off, de voix enregistrées et d’une musique originale, signée Richard Liégeois, compositeur déjà remarqué dans Le Grand Hiver (Corentin Stemler, 2023).

Ce dernier, qui confie avoir travaillé sur « une mélodie simple pour un projet compliqué », entend accompagner l’action afin de la mettre en valeur, dans la tradition incarnée par John Powell (Mr. Et Mrs. Smith, Rio, L’appel de la forêt, etc.) ou encore, à un certain titre, John Williams (Star Wars, Indiana Jones, etc.). Richard Liégeois a donc, pour ce projet, dirigé un orchestre symphonique regroupant une quarantaine de musiciens, dont l’œuvre complétera une scène de comédie musicale chantée en direct et un Ave Maria final.

Musique, chants, poèmes défileront donc sur une scène « verticale » qui célébrera le monument parisien et dont l’inspiration doit être recherchée au plus près des travaux de Robert Hossein (La Prodigieuse Aventure du cuirassé Potemkine, 1975 ; Notre-Dame de Paris, 1978 ; Danton et Robespierre, 1978 ; Les Misérables, 1980 ; Un homme nommé Jésus, 1983).

Bénévolat et professionnalisme pour conter 800 ans d’histoire

Avec 90 artistes, dont 75 comédiens et 15 danseurs, la société de production Symphonia entend représenter 800 ans d’histoire. Au cœur du projet, ce sont pas moins de 200 adhérents de l’association qui se relaieront en coulisse et sur scène l’été prochain. Ce bénévolat reflète un travail de longue haleine, qui a regroupé une troupe enthousiaste lors de six week-ends par an depuis deux ans et d’une semaine estivale de répétition générale. Dans l’ombre, les quelques 300 costumes nécessaires aux représentations ont été confectionnés, eux-aussi par des bénévoles. Une idée semble avoir guidé cette belle entente, le choix de « mettre chacun à la bonne place ».

Le montage financier du projet reflète lui aussi une large envie, définitivement bien française, de voir Notre-Dame à nouveau rebâtie, au moins dans les cœurs. La levée de 600 000 euros avec un ticket moyen de 3 000 euros et la prévision d’un budget de 8 millions sur trois ans en témoignent.

Un projet dédié au Beau… qui séduit !

« Qu’est ce qui peux réunir, dans un café parisien, un officier des sapeurs-pompiers de Paris, un prêtre, une fondation, un auteur de théâtre, un musicien et une quinzaine de journalistes ? ». En posant cette question, à laquelle une seule réponse, s’impose « Notre-Dame », murmurée à mi-voix par chaque membre de l’assistance, Corentin Stemler affirme sa détermination. Convaincu « d’œuvrer pour le Beau », il s’est assuré le soutien d’acteurs bien différents, qui saluerons tous, chacun leur tour, le sens donné à ce projet. Ainsi, le capitaine Marc Lemoine, représentant de la Brigade des sapeurs-pompiers de Paris, véritables « anges gardien des monuments français », s’est dit conquis par un projet qui relate un « évènement qui a marqué toute une génération de pompiers ».

Outre des conseils de réalisme et un prêt de matériel destinés aux deux tableaux consacrés à l’incendie de 2019, les pompiers de Paris se déclarent ravis de s’inscrire dans un nouveau projet, en complément des livres et du film « Notre Dame brûle » (Jean-Jacques Annaud, 2022). L’Eglise, représentée par le Père de Villefranche, chapelain de Notre-Dame, a célébré « une œuvre culturelle et cultuelle » qui s’inscrit dans la continuité d’un projet extrêmement divers tout en faisant figure « d’évènement ».

Cet enthousiasme s’est avéré partagé par Sylvie Bretones, déléguée générale de la Fondation Notre Dame, qui a souligné combien les partenaires culturels du projet avaient été frappés par la jeunesse et le dynamisme des bénévoles. Le vocable « œuvrer pour le Beau » était donc sur toutes les bouches en ce début février et devrait persister dès les premières représentations. Enfin, Billet de France, qui a bénéficié pour vous d’un aperçu filmographique du projet, est tout aussi conquis !

« La Dame de Pierre », un spectacle écrit et mis en scène par Corentin Stemler sur une musique originale de Richard Liegeois, les 30 juin, 1^er et 2 juillet 2023 au Palais des Congrès à Paris, puis en tournée dans toute la France. Billetterie ici. Infos Pratiques – La Dame de Pierre – Le Spectacle et Bande-annonce ici.

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Le nom d’Eugène Vallin est malheureusement peu connu du public. Il a été pourtant l’un des artistes les plus importants de l’École de Nancy, fondée par Émile Gallé en 1901. Héritier d’un atelier spécialisé dans la menuiserie et le mobilier religieux, fin connaisseur des styles historiques, Vallin s’est progressivement tourné vers le mobilier civil et moderne. Son travail est la quintessence du mobilier art nouveau.

Un artiste nancéen

Formé à la sculpture sur bois dans l’atelier de son oncle Michel Claudel à Nancy, Eugène Vallin fait ensuite un rapide passage à l’École municipale de dessin de Nancy, où il se perfectionne en modelage avant de prendre la succession de son oncle en avril 1881. Ébéniste reconnu par ses confrères pour son incroyable technique, il est l’auteur d’éléments mobiliers aux compositions élégantes pour les plus grands pontes de Nancy. Décors intérieurs, mobilier religieux etc…

Vallin est aussi un passionné d’architecture et réalise des décors de façades et des devantures de magasins remarquables dont sa propre maison qui sera le premier élément art nouveau nancéien. Refusant d’industrialiser sa production, il ne travaille que sur commande. Ce refus d’industrialiser sa production va le différencier des autres ébénistes.

Exposition à la villa La Garenne

Eugène Vallin est un innovateur, il va être influencé par les productions anglaises d’Arts and Craft. Viollet-le-Duc avec Le Dictionnaire raisonné de l’architecture française du XIe au XVIe siècle ainsi qu’Émile Gallé (chef de l’École de Nancy) avec son manifeste, Le Mobilier contemporain orné d’après la nature, constituent les fondations pour la création de son propre style. Il participe d’ailleurs très activement, auprès de ce dernier à la constitution de l’École de Nancy dont il sera le vice-président en 1901. Il réalisera, en collaboration avec Victor Prouvé, le pavillon de l’École de Nancy pour l’exposition internationale de l’Est de la France de 1909.

Cette exposition présentée à la villa La Garenne vous fera découvrir une cinquantaine d’œuvres de Vallin, pour la plupart inconnues car provenant de collections privées. Le parcours, chronologique, est ponctué de dessins de projets, maquettes et documents d’époque qui permettent de mieux appréhender l’œuvre de cette figure de l’Art nouveau. Vous trouverez à la fin de l’exposition, les œuvres d’artistes de l’École de Nancy s’étant inspirés de son style.

Infos pratiques :

Lieu : Domaine des eaux bleues, Villa La Garenne (54460 Liverdun)

Tarif : 5€

Horaires : du lundi au dimanche de 10h à 18h (jusqu’au 7 août 2022)

Plus de renseignements : www.expovallin.fr

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Ce soir, au théâtre La Bruyère, une famille de pieds-noirs enterre Jean-Paul Rossignol, ancien appelé de la guerre d’Algérie. Il pleut. Quelques roses sont déposées sur le cercueil, un dernier adieu et puis, le souvenir est là, il refait surface. Lui, que l’on voulait ranger au fond d’un tiroir, ne se taira plus. Ceux qui l’ont vécu vont dorénavant être entendus. Xavier Lemaire, merveilleux metteur en scène, qui a su nourrir depuis des années le spectacle vivant en nous racontant le quotidien saisissant d’une chambrée de prisonniers au sein d’un stalag (La soupe aux orties), la vie effroyable des héros de la grande guerre (Les coquelicots des tranchées) dresse une troisième épopée, celle des événements d’Algérie. C’est avec l’aide de Pierre Olivier Scotto, auteur fabuleux de théâtre (Le Mal de Mère, Le ciel est Egoïste ?, La Boutique au coin de la rue, La belle Mémoire), que l’idée prend son envol. Avec une troupe de douze comédiens, ces deux passionnés osent tout, tranchant un nœud gordien historique avec beaucoup d’ingéniosité.

Une réussite théâtrale

Une blessure vive et encore bien confuse, tel est le sujet de la pièce. En passant par l’huilerie de Marthe Surgenti aux abords d’Alger, suivie d’un petit café convivial du quartier de Montrouge, par les coulisses du ministère de l’Intérieur jusqu’aux cellules de résistance du FLN, deux familles qui se connaissent depuis toujours, l’une Française et l’autre Algérienne, traversent cette époque tragique. Chaque génération y est représentée avec pour personnages principaux, France (Noémie Bianco), jeune fille fougueuse qui ne rêve que de théâtre, Mokhtar (Kamel Isker) qui ne songe qu’à l’indépendance et à la dignité de son pays, Jean-Paul (Hugo Lebreton), jeune militaire de l’armée française passionné de Rock’n Roll et Marthe (Isabelle Andreani), mère de famille qui, au prix de grandes souffrances, se bat pour conserver ses racines.

C’est de l’amour, de la haine, de l’amitié, de la rancœur, des rires et des larmes que découle toute la complexité de cette aventure. A travers des décors pittoresques, ce voyage de l’autre côté de l’eau nous transporte dans un florilège rocambolesque et plein d’humanité. Quand l’Histoire divise encore, le théâtre, lui, rassemble. Les pieds-noirs, les Algériens, les jeunes combattants français, les harkis, tous ces héros que l’on a sacrifiés rugissent encore. Nos deux conteurs ne prennent la position d’aucun parti. Mieux, ils plaident pour chacun d’entre eux et, par la magie du théâtre, rendent sa liberté à un passé bien trop souvent piétiné.

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Nous aussi, nous avons imaginé quelques histoires pittoresques. Des pensées qui deviennent des rêves. Elles ont un goût d’éphémère. Elles ne sont que de passage. Nous nous sommes perdus un instant et puis, la vie revient vers nous. C’est bon signe, l’imagination est débordante. Pour savourer l’existence, il faut bien quelques détours. La curiosité se déploie alors, elle virevolte même. Les idées oscillent et l’on se demande d’où viennent ces légendes, de quelles étoffes sont tissées  ces fables qui surgissent de notre esprit sans prévenir ? Le souvenir. C’est bien souvent lui qui frappe à notre porte. Il porte bien son nom. Il vient à nous de manière impromptue.

L’image d’une vieille malle que l’on ouvre au fond de son grenier à la lueur d’une chandelle, se révèle à nous tous. Nous finissons par éclairer ce qui était perdu. Pourtant, il manque un personnage essentiel à notre aventure. Il nous manque un conteur. Celui-là même qui dépeint avec tant d’ardeur une histoire que, parfois, nous aurions bien voulu contempler de nos propres yeux. Et où trouver un conteur si ce n’est dans un théâtre. Ce soir, sur les planches du théâtre de Poche Montparnasse, Judith Magre devient notre étoile. Notre chandelle qui éclaire une histoire sans précédent, les heures sombres de l’Allemagne nazie. Beaucoup d’entre nous connaissent quelques bribes de cette triste époque, mais bien peu les détails qui ont éconduit tant de vies humaines. C’est à travers le témoignage de Brunhilde Pomsel, secrétaire au ministère de la Propagande du régime hitlérien, que notre grande tragédienne clame ce que l’Histoire pense tout bas. Une tragédie historique qui se rejoue, cela ne se voit pas tous les jours. Cependant, la chance est de notre côté. Le spectacle est prolongé. Précipitons-nous dans les coulisses des bourreaux voir ce qui s’y trame, nous repartirons, sans aucun doute, avec quelques secrets.

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Fortifiée au XIII^e siècle sur un site médiéval remontant au XI^e siècle, la forteresse de Saint-Vidal, façonnée par plus de mille ans d’histoire, est récemment devenue un édifice incontournable du patrimoine auvergnat grâce à un projet exceptionnel de remise en valeur.

Un site d’exception pour une forteresse imprenable

Du Puy-en-Velay, il faut compter une vingtaine de minutes pour voir la route plonger sur la forteresse. Dressé au fond de la vallée de la Borne, Saint-Vidal surprend d’abord par sa position en contrebas, mais le premier regard ne trompe pas : un imposant mur d’enceinte, trois tours médiévales du XV^e siècle et un donjon daté du XV^e plantent le décor. L’histoire le confirmera, maintes fois assiégée, la forteresse ne tombera jamais. C’est ici, au cœur du Velay, que Vianney Audemard d’Alençon décide en 2016 de faire revivre cet authentique joyau de l’histoire locale.

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La pierre à l’épreuve du temps

D’abord bien vivace, la forteresse de Saint-Vidal est progressivement tombée dans l’oubli. L’âge d’or des seigneurs de Saint-Vidal, un temps engagés dans la première croisade puis défenseurs des Français dans la guerre de Cent Ans, confère tout son prestige au site jusqu’au XIII^e siècle. Véritable « castrum », le site rayonne dans le Velay. Vient ensuite la passation à la famille de la Tour de Saint-Vidal, qui fera du site l’âme de la résistance catholique du Velay lors des guerres de religion. Le bâtiment remanié à cet effet conserve les stigmates de cette époque de sièges et de combats. Néanmoins, par la suite, de propriétaire en propriétaire (il passera notamment entre les mains de l’évêché du Puy au XVIII^e siècle), le site ne trouvera plus de raison d’être et sera peu à peu délaissé par manque de moyens.

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Sur le modèle du Puy-du-Fou : un projet audacieux

En 2016, Vianney d’Alençon rachète pourtant la forteresse. Cet entrepreneur passionné veut développer ce site unique sur le modèle du Puy-du-Fou, pensé par la famille de Villiers. Il fonde pour cela l’association pour « La valorisation du Velay, Auvergne et Gévaudan». Soutenu par Laurent Wauquier (LR), lui-même auvergnat et maire du Puy jusqu’en 2016 (puis président du conseil régional d’Auvergne-Rhône-Alpes), il obtient le soutien des autorités, notamment par l’intermédiaire de Stéphan Bern. Il sera même reçu à l’Elysée en avril 2018. Pour financer son projet, les collectivités locales et régionales lui accordent 1,2 million d’euros. La famille Dassault et la fondation Michelin lui apportent également leur soutien, sans compter les personnalités publiques comme Laurent Deutsch, Bernard de la Villardière et François d’Orléans, qui appuient voire participent au projet.

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Entre 2016 et 2018, Vianney d’Alençon rassemble artisans, acteurs, historiens, mécènes et décideurs locaux, qui donnent jour au projet. Le bénévolat et la passion du patrimoine local les unissent. Tant d’énergie aboutira finalement le 16 juin 2018 à l’inauguration du projet.

Plus qu’une visite, « une fresque historique et vivante »

Le résultat est enthousiasmant. La fresque nous propose de revenir sur l’histoire de France à travers celle du site, depuis Clovis jusqu’à la Révolution. L’entreprise peut sembler difficile d’accès et trop ambitieuse. Cependant, de pièce en pièce, les décors, les effets de sons et lumières ainsi que les comédiens nous permettent de glisser progressivement d’une époque à l’autre, en mettent en évidence les enjeux historiques de manière claire et concise. En une heure, le visiteur aura voyagé non seulement dans les quinze salles de la forteresse mais également à travers douze siècles d’histoires. Croisades, guerre de Cent Ans, guerres de religion et Révolution française sont entre autres évoquées. En adéquation avec l’esprit du projet de Vianney d’Alençon, la fresque parvient à « faire parler la pierre », et le visiteur est sans cesse sollicité, surpris, étonné par le format de cette visite décidément efficace.

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Des jardins d’exception

Le travail entrepris imprègne également les jardins. Entièrement repensés par un travail de fond, avec l’aide du prince François d’Orléans notamment, les extérieurs du site présentent un ensemble remarquable. D’abord, le jardin à la française en hommage à André Le Nôtre. Puis la terrasse à l’italienne en hommage à Sebastiano Serlio, qui a travaillé au remaniement du château au XVI^e siècle. Enfin, le miroir d’eau clôture la visite, rafraîchissant les participants et leur offrant une ultime vue originale sur la façade millénaire.

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Les visiteurs les plus accrochés n’hésiteront pas à prolonger le déplacement jusqu’à la tombée du jour. Les spectacles nocturnes, projetés sur la façade, les tableaux vivants, avec gens d’armes et cavaliers, leur feront revivre les grandes heures du site. 

Un pari réussi

Nul ne doute que le pari de Vianney d’Alençon portera ses fruits. Bel exemple de détermination et de réussite, le projet construit autour de la forteresse saura séduire les consciences « en quête d’authenticité ». A Saint-Vidal, l’histoire de France se transmet avec justesse et modernité. Le format original sert avec merveille l’esprit du projet : « transmettre et garder vivante notre histoire commune. Parce que cette histoire nous forge, parle de nous. C’est un patrimoine, un ADN culturel qui fait partie de chacun et appartient à tous. »

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Encore très jeune, le projet n’en demeure pas moins à la hauteur de son cousin de Vendée. Souhaitons qu’au sortir du confinement ce site renouvelé, ainsi que le patrimoine national dans son ensemble, soit toujours plus redécouvert et investi par les Français.

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1. Vincennes

Aux portes de Paris, accessible en métro, le château de Vincennes est l’un des plus anciens châteaux de la liste proposée par Billet de France. L’édifice affirme le pouvoir royal : il protège la capitale mais garantit aussi les rois contre ses soulèvements. D’abord manoir de chasse au XIIe siècle, il est transformé en résidence fortifiée par les capétiens qui lui adjoignent un donjon au XIVe siècle.

Il est le cœur de la monarchie française jusqu’en 1682, quand Louis XIV lui préfère Versailles. Le donjon sert de prison dès le XVIe siècle et ce jusqu’au XIXe siècle : Fouquet, le marquis de Sade ou Mirabeau y ont été détenus. Transformé en caserne et en arsenal par Napoléon Ier, la forteresse protège Paris lors des invasions du XIXe siècle.

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Les plus : Accès par un pont-levis, une vue imprenable sur la forêt depuis les parties hautes du donjon qui culmine à 52 mètres et l’imposante et raffinée chapelle royale qui reprend le plan de la Sainte-Chapelle à Paris.

Château de Vincennes (94). Tél : 01 48 08 31 20

2. Ecouen

Résidence du Duc de Montmorency, le palais d’Ecouen est une demeure d’époque renaissance admirablement bien conservée. Ce riche seigneur est un érudit, un fin connaisseur des arts de son époque et surtout, comme François Ier, un amoureux des arts de la renaissance italienne. Il s’entoure des plus grands artistes de son époque pour réaliser cette demeure à son image : à la fois forteresse et palais.

L’architecte à qui l’on doit la construction d’Ecouen est Jean Bullant qui réalisa notamment Chantilly. Les plus grands artistes de l’époque concourent à embellir le palais, du céramiste Bernard Palissy à Masséot Abaquesne, de Jean Bullant à Jean Goujon, de Léonard Limosin à Philibert Delorme. Ce palais conserve les traces d’un raffinement inouï et sert actuellement d’écrin au musée national de Renaissance.

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Les plus : Immersion dans un décor total de la Renaissance, de l’architecture aux collections d’arts décoratifs (tapisseries, armes, sculptures, vitraux, céramiques, mobiliers, orfèvreries, peintures…).

Château d’Écouen (95). Tél : 01 34 38 38 50  

3. Fontainebleau

« La maison des rois » selon Napoléon Ier. Résidence de chasse favorite de tous les Rois de France, 32 y ont séjourné entre le XIIe siècle et le XIXe siècle. Avec plus de 1500 pièces déployées au cœur de 130 hectares de parc et jardins, Fontainebleau est le seul château royal et impérial à avoir été habité continuellement pendant sept siècles. Visiter Fontainebleau, c’est bénéficier d’une présentation exceptionnelle de l’histoire, l’histoire de l’art et l’histoire de l’architecture françaises.

En effet, Fontainebleau est le fruit de transformations, d’ajouts de chaque souverain qui y laissa l’empreinte des arts de son temps : de la galerie François Ier, à la Cour Ovale d’Henri IV, aux aménagements intérieurs de Louis XV, puis de Louis XVI mais surtout de Napoléon qui en fit une demeure Impériale. Fontainebleau est un condensé d’histoire de l’art à une demi-heure en train de la gare de Lyon. Aucune raison de ne pas y aller !

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Les plus : Des jardins très agréables avec un grand canal, des visites guidées en petit groupe permettant de visiter les entrailles du château invisibles du grand public, sur la façade principale : vous pouvez prendre la pose sur l’escalier en fer à cheval (Androuet du Cerceau) sur lequel Napoléon fit ses adieux à la Cour.

Château de Fontainebleau (77). Tél : 01 60 71 50 70

4. Vaux-le-Vicomte

Le plus grand château privé de France ouvert au public. Un bijou que ses propriétaires actuels ont su préserver et restaurer. Il s’agit d’un ensemble d’une grande qualité : jardins, architecture, décors et mobiliers sont ceux imaginés au XVIIe siècle par les plus grands artistes pour Nicolas Fouquet. Pour rappel, André Le Nôtre, Louis Le Vau et Charles Le Brun, entre autres, sont les grands bâtisseurs de cet exceptionnel domaine qui servit de modèle pour bâtir le Versailles de Louis XIV.

Un des points de vue les plus époustouflants du jardin se fait depuis les combles, où le visiteur peut monter au-dessus du célèbre dôme de Mansart; le dépaysement y est incomparable dans cette forêt de poutres du XVIIe siècle.

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Les plus : Possibilité de déjeuner et dîner sur place avec une vue imprenable sur le château, possibilité de visiter le château à la bougie : toute l’électricité est coupée et le domaine se dévoile sous la lueur des bougies, feux d’artifices tirés depuis les jardins en été.

Château de Vaux-le-Vicomte (77). Tél : 01 64 14 41 90

5. Champs-sur-Marne

Somptueusement meublé, le château de Champs-sur-Marne est aussi un modèle d’architecture classique. Construit au début du XVIIIe siècle à la demande du financier de Louis XIV, le château de Champs-sur-Marne présente toutes les caractéristiques des maisons de plaisance de cette époque. Le château compte plus de 900 pièces de collection, parmi lesquelles les plus grands noms de l’ébénisterie, tel qu’André-Charles Boulle. Ses jardins de plus de 85 hectares sont inspirés des jardins à la française de Le Nôtre, et ont été labellisés « jardin remarquable ».

Les plus : le décor du château, restauré de manière exemplaire. Découvrez le décor rocaille de Champs-sur-Marne, et ne manquez pas les chinoiseries de Christophe Huet. Ne manquez pas les visites « De fond en combles », au cours desquelles vous pourrez découvrir des espaces de vie rarement visibles. Tous les premiers et derniers samedis du mois, sur réservation.

Château de Champs-sur-Marne (77). Tél : 01 64 62 74 42

6. Saint-Germain-en-Laye

Aujourd’hui musée d’archéologie nationale, le château de Saint-Germain-en-Laye fut l’une des résidences des Rois de France. Ancien château fort construit par Louis le Gros, il est transformé par François Ier qui décide de remettre son architecture au goût du jour, c’est à dire, celui de la Renaissance. Il abrite actuellement les collections d’archéologie : après un rapide déclin aux XVIII et XIXe siècles, Napoléon III décide de restaurer le château et d’en faire un musée national.

40 hectares de jardins jouxtent le château: espaces préservés et gérés de manière écologique, vous pourrez découvrir un grand parcours dans l’histoire des jardins. Classé « jardin remarquable », ce lieu de promenade est très apprécié. La grande terrasse d’André Le Nôtre offre un panorama magnifique sur l’Ouest parisien.

Les plus : certaines des collections de ce musée sont parmi les plus riches au monde. Le musée est seulement à 20 minutes de RER depuis Charles-de-Gaulle-Etoile.

Château de Saint-Germain-en-Laye (78). Tél : 01 39 10 13 00

7. Versailles

Envié par toutes les têtes couronnées d’Europe, le château de Versailles a une renommée mondiale. Il est, évidemment, un incontournable des châteaux de la région parisienne. D’abord relais de chasse de Louis XIII, Louis XIV, passionné par ce lieu, en fit le domaine exceptionnel qu’il est aujourd’hui. De 1661 jusqu’en 1715, le Roi y mène de grands travaux, aussi bien dans le château, auquel il ajoute une enveloppe conséquente, que dans les jardins. C’est ainsi que Versailles devient résidence royale, lieu d’exercice du pouvoir, mais aussi lieu de tous les divertissements.

Loin de pouvoir lister tous les attraits d’une visite de ce château, nous vous conseillons de ne surtout pas rater le salon d’Hercule, l’une des dernières pièces exécutées sous Louis XIV. Ne manquez pas d’admirer son splendide plafond aux cent quarante-deux personnages, qui causa très probablement le suicide de son peintre, François Lemoyne. Directement attenante au Salon d’Hercule, placez-vous dans la tribune royale pour admirer la chapelle en contrebas (actuellement en cours de restauration). Cheminez ensuite dans les Grands Appartements du Roi, jusqu’à arriver dans l’incontournable galerie des glaces ; ici, n’oubliez pas de lever la tête pour admirer le plafond peint par Charles Le Brun.

Les plus : ne manquez sous aucun prétexte la visite des jardins réalisés par André Le Nôtre. Les bosquets, lieux de divertissement, sont à voir absolument : les plus impressionnants sont ceux de la salle de bal avec sa cascade et celui de l’Encelade. En été, profitez des grandes eaux et du jardin musical.

Château de Versailles (78). Tél : 01 30 83 78 00

8. Maisons-Laffitte

Véritable Versailles avant Versailles, le château de Maisons est un chef d’œuvre de l’architecture du XVIIe siècle. Admirez la symétrie et le décor exceptionnel de sa façade, conçue comme le centre d’une immense composition paysagée. Au gré de ses différents propriétaires, Maisons passe de lieu de fêtes royales à un château menacé de destruction.

Découvrez en le visitant ses péripéties fascinantes qui vous feront parcourir près de trois siècles d’histoire. Arpentez ses nombreux appartements, dont certains sont actuellement meublés du mobilier du château de Saint-Ouen. Surtout, ne manquez pas le cabinet aux miroirs qui constitue le véritable bijou du château. Située juste derrière la chambre du Roi, la pièce est entièrement ornée de miroirs et son sol est recouvert de marqueterie de bois exotiques.

Les plus : admirez l’escalier d’honneur surmonté d’une immense coupole, l’une des réalisations les plus impressionnantes du château. Le château de Maisons est facilement accessible en RER depuis Paris ; quelque peu oublié des touristes, il est idéal si vous souhaitez passer une journée dans un lieu calme !

Château de Maisons-Laffitte (78). Tél : 01 39 62 01 49

9. La Malmaison

Si la Malmaison évoque un passé peu enchanteur, c’est à l’histoire moderne de la demeure qu’il faut se fier et non aux désignations historiques. Cette propriété entre dans l’histoire de France lorsque l’épouse de Napoléon, Joséphine de Beauharnais en fait l’acquisition à la veille du XIXe siècle, en 1799. Les architectes attitrés de l’Empereur, à savoir Percier et Fontaine (à qui l’on doit notamment l’Arc de Triomphe du Carrousel du Louvre), sont chargés de la rénovation.

Le nouveau décor pose les jalons du style Napoléon, le néoclassique : un retour à l’ordre des formes désormais rectilignes. L’aménagement de la salle à manger renvoie aux grands décors romains. L’ensemble de la Malmaison frappe par son hétérogénéité. Le décor et le mobilier se répondent dans les canons du néoclassique, le tout réalisé par les plus grands artistes de l’époque. A ne pas rater, la bibliothèque de l’empereur et son grand portrait à cheval par David. Toutefois ce qui constitue le réel atout de la Malmaison est le jardin, où Joséphine s’adonna à sa passion pour la botanique après que l’Empereur eut demandé le divorce.

Les plus : Le Jardin Botanique, véritable lieu hors du temps où il fait bon flâner dès qu’un rayon de soleil se présente.

Château de Malmaison (92). Tél : 01 41 29 05 55 

10.  Chantilly

Chef d’œuvre du duc d’Aumale Henri d’Orléans, fils du dernier roi de France, ce château est considéré comme l’un des joyaux du patrimoine français. Grâce aux précautions testamentaires du fils de Louis Philippe, le domaine reste inchangé depuis la mort de cet immense collectionneur du XIXe siècle. La visite de ce château vous permettra de remonter le temps pour vous immerger dans les appartements richement meublés du duc d’Aumale, parcourir son très fourni cabinet des livres, ou encore visiter les galeries de peinture, cœur du château. Conformément à sa volonté, l’accrochage des œuvres est resté le même depuis le XIXe siècle. Vous pourrez y voir, entre autres, des œuvres de Raphaël, Botticelli, Ingres, Watteau…

Le plus : le musée de Condé, qui rassemble la deuxième plus grande collection de peintures anciennes après le Louvre ! Découvrez également le parc du château et ses parterres à la française, et laissez-vous surprendre par ses jardins anglo-chinois. Ne manquez pas non plus la Petite et la Grande Singerie de Christophe Huet.

Domaine de Chantilly (60). Tél : 03 44 27 31 80.

Et en bonus, non loin de Chantilly, le château de Compiègne !

11. Compiègne

Ancienne résidence royale et impériale, le palais de Compiègne est considéré comme l’une des trois plus importantes résidences françaises. Construit sous Louis XV et Louis XVI, le palais a été réaménagé sous Napoléon Ier puis Napoléon III ; le château fut aussi bien un lieu d’exercice de pouvoir que de plaisance.

Ainsi, sous le Second Empire, Napoléon III y effectua de nombreux aménagements pour recevoir des centaines d’invités, lors de ses fameuses « séries », au cours desquelles quelques centaines de personnalités proches du pouvoir ou d’illustres scientifiques et artistes étaient reçus dans la famille impériale. Le palais conserve une très belle collection de mobilier ; chacun des appartements a été remeublé selon les trois états possibles : XVIIIe siècle, Premier Empire et Second Empire. Vous pourrez donc apprécier l’évolution des styles in situ.


Les plus : le jardin des roses, à visiter en période de floraison pour y découvrir toutes ses variétés anciennes. Ne manquez pas non plus l’étonnant musée de l’automobile.

Château de Compiègne (60) Tél : 03 44 38 47 00

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On ne peut que se réjouir de pouvoir approcher de si près les œuvres de Poussin, de Tintoret, de Greco, de Ribera et autres, habituellement accrochées sur les hautes cimaises de musées parfois lointains. On note en effet des prêts des plus grandes collections publiques et privées du monde entier, à l’instar du Musée du Louvre, du Musée d’Orsay mais aussi de la National Gallery of Art de Washington, de la collection Thyssen-Bornemisza de Madrid et surtout du Pola Museum de Kanawaga (Japon).

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Cette exposition est l’occasion de redécouvrir les grands chefs-d’œuvre de la peinture occidentale des temps modernes, à l’aune du travail de Paul Cézanne (1839-1906). Le visiteur aura la joie d’admirer sur les cimaises du musée Marmottan-Monet les sujets chers au peintre : la Montagne Sainte-Victoire, le Château noir du Tholonet, le cabanon des carrières de Bibenus mais aussi ses si reconnaissables natures mortes.

En parcourant l’exposition « Cézanne et les Maîtres», l’influence de l’artiste éponyme sur les peintres occidentaux du XXe siècle est évidente: on trouve dans ses toiles non seulement une manière résolument nouvelle d’aborder la peinture, mais aussi les prémices du cubisme.

Le postulat discutable de l’exposition : l’influence des Maîtres italiens sur Cézanne

Néanmoins, si l’héritage de Cézanne est omniprésent tout au long de l’exposition, force est de constater que le lien entre sa peinture et celle des Maîtres est maigre. Le postulat de l’exposition serait de voir dans les œuvres de Cézanne une influence latine des XVIe et XVIIe siècles. Il s’agirait de prouver par une juxtaposition d’œuvres de peintres italiens à celles de Cézanne, son italianité. À la rigueur, cela se justifie avec le Greco qui était à la Renaissance d’une absolue modernité, peignant le motif avec des teintes saturées et s’éloignant de l’austérité de ses contemporains. Par ailleurs, il est admis que le Greco influença Cézanne puisque ce dernier réalisa une «Femme à l’hermine» intitulée «d’après le Greco». Si ce dernier est connu pour son œuvre en Espagne, il ne faut cependant pas oublier son long séjour en Italie.

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Concernant les autres œuvres exposées, le postulat du conservateur se justifie de manière beaucoup plus complexe. Le visiteur est appelé à reconnaître des similitudes dans la composition, dans la facture, dans l’atmosphère d’œuvres ayant le même sujet. Sans parler d’italianité, quoi de plus simple que de constater des ressemblances entre deux portraits d’un vieillard à la barbe blanche ou entre deux vanités au crâne…

Quant à l’influence que Cézanne aurait pu exercer sur le Novecento italien là encore, le visiteur est en droit de se poser des questions. Lesquelles ne trouvent pas de réponse dans la muséographie de l’exposition. Ainsi la dernière comparaison de l’exposition, censée éclairer d’un jour nouveau le lien entre Cézanne et la peinture italienne, est la mise en pendant d’une nature morte de l’impressionniste avec deux natures mortes de Morandi. Celle de Cézanne, au fond sombre, représente des poires et pommes sur un entablement, alors que les œuvres de Morandi représentent un pichet et des verres sur un fond clair. Aucune référence de couleur, de mise en scène, de dessin, de perspective n’est palpable.

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En résumé, cette exposition est l’occasion de voir la réunion exceptionnelle d’un beau corpus d’œuvres, mais qui n’a hélas pas les arguments de ses ambitions didactiques.

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La TEFAF en quelques chiffres c’est un peu moins de 300 exposants dont la majorité vient d’Angleterre (76 exposants), en deuxième place viennent les galeries françaises (57 exposants), ensuite les États-Unis, l’Allemagne, l’Italie, la Belgique, la Chine etc. La TEFAF c’est trois hectares d’espaces d’exposition, où sont présentés les plus beaux objets d’art (et les plus chers aussi) qu’a produit l’homme en 7000 ans d’histoire.

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Chaque année les plus grands collectionneurs, les plus grandes institutions, les plus grands conservateurs se pressent dans la petite ville hollandaise qui, le temps d’une semaine, se transforme en paradis pour grandes fortunes. Les hôtels se remplissent, les restaurants multiplient les services, les rues se parent de berlines luxueuses et de 4×4 puissants. Les manteaux de vison et les costumes anglais paradent en ville. Un air de raffinement bourgeois emplit la charmante Maastricht.

Une édition 2020 touchée par le coronavirus

Hélas cette année, le climat épidémiologique a affecté les habitudes des habitants  qui se réjouissaient d’accueillir pour la 33^e année de si nombreux visiteurs. Les conservateurs des musées américains ont été avertis par leur direction de l’interdiction de se rendre à la TEFAF, une grande partie des Italiens sont confinés chez eux. Fait le plus marquant, les visiteurs asiatiques sont totalement absents de la foire. Autant dire que les allées habituellement surchargées de visiteurs étaient clairsemées ce week-end. Le jeudi précédant le premier week-end de la foire, a lieu, comme à l’accoutumée, le vernissage : une soirée VIP où champagne et petits fours circulent entre les allées des prestigieux stands. La soirée eut bien lieu mais elle n’avait hélas pas la saveur des précédentes.

Toutefois il faut noter que malgré une baisse de fréquentation dûe au phénomène covid-19, la sélection des œuvres d’art demeure à un niveau élevé. Les plus grands noms de la peinture ancienne comme moderne cohabitent jalousement avec les plus grands ébénistes, maîtres joailliers. A l’étage de la foire, la partie art sur papier s’est agrandie. C’est un véritable musée éphémère où le visiteur peut admirer d’assez près,sans déclencher les alarmes, les œuvres des plus grands maîtres tels que Van Eyck, Poussin, Desportes, Monet, Manet, Sisley, Pissaro, Picasso, Hartung, Soulages… Une statue équestre de Louis XV par François Girardon, fait face à une commode Boulle époque Louis XIV. Trois allées plus loin c’est le mobilier de Paulin qui toise celui de Perriand ou encore du Corbusier. Dans la partie joaillerie, il est notamment possible d’admirer l’époustouflant diadème de diamants (100 carats) de la marquise d’Anglesay.

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Si la TEFAF accuse le contre coup de l’épidémie qui touche le monde, cette dernière a néanmoins résisté à la paranoïa générale en maintenant sa tenue alors que les grandes foires internationales (Salon international du livre de Londres, Salon de l’Automobile de Genève, Congrès mondial de la téléphonie mobile à Barcelone etc.) ont toutes été annulées au dernier moment.

Un événement à ne pas manquer qui se termine le dimanche 15 mars 2020. Prenez vos billets !

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Ce jeudi 24 octobre au Carrousel du Louvre a eu lieu l’ouverture du salon international du patrimoine culturel. Pour sa 25^e édition, ce salon rassemble l’ensemble des acteurs du patrimoine afin de découvrir la beauté de leur savoir-faire et ce, jusqu’au dimanche 27 octobre. Inaugurée par Stéphane Bern, Franck Riester et Brigitte Macron, cette édition porte sur la thématique du « futur en héritage ».

Un rendez-vous incontournable

Il s’inscrit, depuis sa création, comme le rendez-vous incontournable des acteurs du secteur : professionnels de la restauration et de la sauvegarde du patrimoine bâti ou non bâti, matériel ou immatériel. Attendu par les professionnels en charge de protéger et de transmettre la richesse de notre culture, il réunit chaque année près de 350 exposants et 20 000 visiteurs au sein du Carrousel du Louvre. C’est le plus ancien et le plus important sur la scène européenne.

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Témoignant de la diversité des acteurs et de la multiplicité de leur compétence, cet événement est l’occasion de faire de nombreuses rencontres autour de la protection des patrimoines et pour les artisans de rencontrer leurs potentiels clients. Dans le cadre de moments d’échanges entre les visiteurs et les professionnels, quelques 46 conférences et tables rondes sont organisées pendant toute la durée de l’événement.

Le salon s’articule en 5 salles :

• Le foyer, qui regroupe les associations de sauvegarde et de défense du patrimoine, les fondations, l’institut de France, les voyages culturels mais également des agences immobilières de prestige.
• La salle Le Nôtre, avec les ateliers d’art, la décoration d’intérieur et les fournisseurs du patrimoine bâti.
• La salle Soufflot, composée des architectes, des fournisseurs du patrimoine bâti, le geste d’or et les nouvelles technologies.
• La salle Delorme, avec les villes et territoires, les formations, le centre des monuments nationaux, l’Institut national de recherches archéologiques préventives (INRAP), les chambres de métiers et de l’artisanat, les entreprises du patrimoine vivant, les maîtres d’art et la salle de conférence.
• La salle Gabriel, constituée des ateliers d’art, de patrimoine et technologie, des meilleurs ouvriers de France, des formations et des pavillons internationaux.

Infos pratiques :

• Lieu : Carrousel du Louvre (99, rue de Rivoli)
• Métros : lignes 1 et 7 Palais Royal – musée du Louvre
• Tarifs : 11€ (plein tarif) et 5€ pour les étudiants, chômeurs
• Horaires : vendredi et samedi 10h-19h, dimanche 10h-18h

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Deux fois par an, au printemps et à l’automne, l’île des impressionnistes de Chatou (Yvelines) se transforme en un immense village éphémère dédié à la brocante, aux antiquités et aux mets gourmands. Ce sont plus de 500 professionnels venus de toute la France et d’Europe, répartis dans des chapiteaux de toile blanche qui présentent leurs trouvailles. Il y en a pour tous les goûts : de la petite brocante aux pièces d’exception.

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De nombreux décorateurs de renom viennent à la foire de Chatou trouver des pièces atypiques pour leurs chantiers. C’est un ballet incessant de promeneurs, professionnels et amateurs, lancé dans la quête de l’objet rare, celui qui fera la différence. Véritable magasin à ciel ouvert, la foire accueille à chaque édition environ 35.000 visiteurs. Prévoyez d’y passer la journée, vous serez suspendu dans un autre monde hors du temps.

Outre, les miroirs, les meubles qui sentent bon la cire, les tableaux, le mobilier de jardin, la vaisselle, les bibelots, vous pourrez trouver de jolies pièces vintage pour votre garde-robe, une vraie friperie à ciel-ouvert. Mais pas seulement ! Pour les gourmands et pour tous ceux qui aiment la richesse de nos terroirs, vous verrez que nombreux sont ceux qui sont attablés dans les allées à déguster les mets de nos régions. On y retrouve huitres de Bretagne et de Normandie, du foie gras et des confits du Gers, de la charcuterie corse et des saucissons de Lyon, des andouilles de Guéménée et de Vire, des fromages de Savoie… de quoi passer une bonne journée !

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Sous le grand chapiteau central, vous retrouverez les grandes galeries avec les pièces d’exception : céramiques, sculptures, tableaux, mobilier, argenterie etc. A l’extérieur sous des tentes individuelles, vous retrouverez des objets de décoration pour le jardin, de la petite vaisselle, des vêtements (même un vendeur de vestes autrichiennes ! ), des vinyles mais aussi des meubles chinés, du linge ancien brodé, des livres anciens…

A visiter sans tarder jusqu’au dimanche 6 octobre !

Accès depuis Paris en automobile : Porte Maillot, prendre l’A14 puis l’A86 direction Saint Germain-en-Laye. Sortie Chatou, n°35a, pont de Chatou. Parking gratuit.

Accès par le RER A : Arrêt Chatou-Croissy.

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Samedi dernier avait lieu à Paris la 5^e édition du Bal des Parisiennes au palais Brongniart (anciennement Palais de la Bourse). C’est dans ce lieu hautement symbolique de la capitale, qu’un petit millier de personnes s’est donné rendez-vous cette année.

Créé par Charles et Hélène de Lauzun en 2015 et sous le haut patronage de l’ambassade d’Autriche, de Stéphane Bern et de la mairie de Vienne, le Bal des Parisiennes a pour but de faire revivre la tradition des bals à Paris, en empruntant au rituel viennois sa splendeur, sa générosité et sa beauté.

Pour ce genre d’événement, l’élégance est de rigueur, il n’est pas envisageable d’accéder à la salle de bal sans avoir revêtu une tenue adéquate. Habit ou smoking pour ces messieurs (bien que le costume sombre soit toléré, le nœud papillon reste obligatoire). Ces dames devaient être vêtues d’une robe longue d’une couleur autre que le blanc, celui-ci étant réservé aux débutantes. Celles qui assistaient au spectacle se sont vu offrir un pendentif par la ville de Vienne.

Un programme complet

Tout a commencé par la cérémonie d’ouverture du bal par les débutants de l’école de danse de M. de Lauzun suivie par un spectacle de danse. Puis, un opéra a rendu hommage à Offenbach dont le Bal a souhaité fêter le bicentenaire de la naissance. Ensuite, a eu lieu une prestation des danseurs du ballet de l’opéra de Paris. Un dîner axé sur l’art de table et la haute gastronomie a conclu l’ensemble.

Le moment tant attendu arrive avec l’ouverture de la salle de valse. Bien que l’événement soit principalement axé sur cette danse, une salle pour danser le rock était également disponible. Au cours de la soirée, diverses démonstrations de danses ont eu lieu (rock, tango, lindy hop et west coast swing). Pour sa 5^e édition, le Bal des Parisiennes a innové en ajoutant le traditionnel quadrille avec son galop, élément indispensable à tout bal viennois. Danse qui a ensuite été enseignée en version simplifiée aux participants. 

Une tradition européenne

Ce bal est un condensé de tradition et de génie européen dans un lieu d’exception mêlant élégance, beauté, savoir–vivre, musique, esthétique, gastronomie, architecture et haute couture. S’arrêter entre deux valses afin d’admirer les participants danser est un réel plaisir. Connaissant un réel engouement de la part de la société parisienne et étrangère, le Bal des Parisiennes traduit ce besoin fondamental de beauté que nos sociétés occidentales perdent peu à peu.

Cet événement entend faire revivre la grande tradition des bals français, en empruntant au rituel viennois ses codes, toujours vivaces en Europe de l’Est.  Chaque année à Vienne, pas moins de 450 bals se tiennent. Pour autant, il convient de noter quelques différences de codes. Dans la capitale autrichienne, la salle principale n’est pas exclusivement occupée par la valse. Le cha-cha, la rumba, le fox trott et la polka y sont également dansés. Le quadrille a une place plus importante, plus longue et plus complexe. On notera que le dîner est une spécificité bien française. Impossible de voir un dîner assis pendant un bal à Vienne.

Cet événement unique à Paris est l’occasion pour certaines jeunes filles de vivre enfin un rêve d’enfant, revêtir une longue robe et danser toute la nuit dans un lieu d’exception telle Sissi au palais de La Hofburg.

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Cet article Le Bal des Parisiennes, l’élégance des bals viennois en plein cœur de Paris est apparu en premier sur Billet de France.