Créée en 1947 par les collectionneurs d’art Frits Lugt et Jacoba Lugt-Klever, la Fondation Custodia occupe depuis 1953, au 121 rue de Lille, l’hôtel XVIIIème du contrôleur des finances Turgot, lequel fut enfermé en 1895 au sein d’un immeuble moderne par le comte de Lévis-Mirepoix. La collection du couple hollandais est depuis lors conservée dans cet hôtel français, dont les intérieurs ont été remaniés « à la hollandaise », en référence aux tableaux du Siècle d’Or que connurent les Pays-Bas grâce, entre autres, à Johannes Vermeer ou Pieter de Hooch.

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Avec ses 7 000 dessins, 15 000 estampes et 450 peintures portant sur tous les genres du XVème au XVIIème siècle, la Fondation s’impose depuis plus d’un demi-siècle comme la « maison de l’art sur papier » en France. Les dessins et estampes mobilisent l’ensemble des écoles européennes, mais les maîtres hollandais et flamands dominent l’ensemble. La quasi-totalité de l’œuvre gravée de Rembrandt y figure, aux côtés de l’une des plus importantes collections de lettres d’artistes au monde, rassemblée par Frits Lugt et comptant les signatures de Michel-Ange, Albrecht Dürer, Paul Gauguin ou encore Henri Matisse. Un fond de près de 300 tableaux européens du XIXème siècle ainsi qu’un millier de cadres originaux complètent cet ensemble réfléchi.

Rotterdam, Amsterdam, Paris : hommage à Ger Luijten

Né en 1956, Ger Luijten entreprit, à l’âge de 23 ans, des études d’histoire de l’art, après s’être formé au métier de professeur de dessin. Il mènera aux Pays-Bas une carrière muséale fulgurante, alliant à l’œil de l’artiste le talent de l’acquéreur avisé. D’abord conservateur du musée Boijmans Van Beuningen de Rotterdam puis conservateur du département des arts graphiques du Rijksmuseum d’Amsterdam, qu’il dirigera, il révolutionne son métier en éditant la collection Hollstein. Ces catalogues de gravures hollandaises et flamandes, paraissant depuis 1949 sont, sous son impulsion, révisés : y sont ajoutées des analyses portant sur les inventeurs et les éditeurs des gravures, lesquelles sont reproduites.

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Les travaux du Rikjsmuseum au début du XXIème siècle le poussent, à la suite de Mària van Berge-Gerbaud, à prendre la direction de la Fondation Custodia à Paris. Deux après la mort prématurée de son directeur, l’établissement présente une exposition consacrée à sa politique consciencieuse et passionnée. Spécialiste international de l’estampe néerlandaise, il ouvrit un fond alors axé sur les œuvres flamandes et hollandaises aux artistes allemands et anversois. Il acquit également 600 tableaux de plein air durant son directorat, actant la diversification de la fondation et en faisant ainsi un lieu de plus en plus connu des amateurs.

Au travers d’une exposition baptisée « Douze ans d’acquisitions de Ger Luijten », l’endroit rend hommage à « un œil passionné », qui fit entrer quelque 10 000 œuvres dans ses collections depuis 2010. Un parcours organisé par technique brosse un large portrait de l’histoire de l’art, de XVème au XXIème siècle.

Nos coups de cœur

L’exposition est organisée autour de onze thèmes chers à Ger Luijten. On relèvera pelle-mêle : des dessins sur livres ; des esquisses à l’huile ; une multitude d’estampes anciennes ; des dessins du XIXème siècle ; plusieurs tableaux de maitres du XVIIème siècle ; une sélection de portraits miniatures ; le carnet des 333 oiseaux de Peter Vos ; le livre-hommage des frères Goncourt au peintre Paul Gavarni ; ou encore des lettres de Théodore Géricault, Ingres, Edouard Manet et autres. En voici un avant-goût.

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« Vite, vite, ami, partons pour les féeriques régions du cristal ». Du 26 septembre 2023 au 14 janvier 2024, le musée de Cluny, musée national du Moyen Âge, propose une exposition intitulée « Voyage dans le cristal », en collaboration avec le musée du Louvre et avec le soutien de l’Ecole des Arts Joailliers. Les deux commissaires d’exposition, Isabelle Bardiès-Fronty, conservateur général du patrimoine au musée et Stéphane Pennec, archéologue et conservateur-restaurateur réussissent à cette occasion leur pari : celui de nous faire voyager, tant au travers du temps que de la matière.

Ainsi intitulée d’après le roman fantastique de Georges Sand Laura, sous-titré « Voyage dans le cristal » et paru en 1864, l’exposition est d’abord un hommage à l’évasion que procure la minéralogie. Georges Sand, que le musée de Cluny encense déjà pour la découverte en 1841 des tapisseries de La Dame à la Licorne, avait conduit Walter, le héros de Laura vers l’hypnotique et mythifié monde des Esquimaux. Elle est à nouveau le passeur des néophytes pour ce si surprenant monde minéralogique : « Regarde donc où je t’ai conduit et reconnais que j’ai ouvert tes yeux à la lumière du ciel ». Fascinant pour sa transparence et sa capacité à diffracter la lumière, nous offrant mille et une compositions, le cristal est tant un objet de science que d’art. Il a pourtant longtemps été l’objet d’interrogations.

Un objet de science, d’art… et d’interrogation

On trouve des gisements de quartz hyalin partout : les plus connus se situent en Allemagne, dans les Alpes, en Arabie, aux Indes, au Pakistan, au Sri Lanka, en Amérique du Nord et du Sud et à Madagascar. Toutes les civilisations lui ont accordé une place dans leur spiritualité. Toutes l’ont considéré, travaillé, lui ont donné un rang, jamais des moindres. Appréhendé par Strabon comme krystallos, « glace » ou « eau gelée », il a été repris par Pline l’Ancien et occupe ainsi, de l’Antiquité jusqu’au premier cristallographe, la primauté dans tous les ouvrages de sciences naturelles. L’encyclopédiste Barthélemy l’Anglais (1202-1272), le définit, dans Livre des propriétés des choses (1247) comme une pierre reluisante et clere, qui a la couleur d’yaue, car il est engendré de nege ou de glace endurcie par moult de temps ».

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Cette approche pré-chimiste est remise en cause par Anselme Boèce de Boodt (1550-1632), qui ne parvient pourtant pas à expliquer l’origine de la pierre. Seul Jean-Baptiste Romé de l’Isle (1736-1790) y parvient en 1783 et mentionne le quartz, qu’il distingue encore du cristal. C’est la chimie du deuxième XVIIIème siècle qui permettra de considérer le cristal de roche comme un quartz. La portée symbolique de cette « mère des gemmes », responsable des propriétés de toutes les autres, fut longtemps issue, en Europe, de l’analyse du médecin Jean de Mandeville (1300-1372). Cette conclusion, curieuse pour nous, qui séparons le règne minéral du règne du vivant, conférait aux gemmes claires une vie rythmée par la naissance et la mort et faisait du cristal, par analogie, un conducteur de fécondité favorable aux mères.

Une gemme pour le sublime

Caton l’Ancien avait déclaré que « la vie humaine est comme le fer, elle s’use dans la pratique et se rouille dans l’inaction ». L’observation de l’utilisation par les hommes du cristal de roche nous permet de compléter cette analogie métallurgique en y introduisant une réflexion minéralogique. La vie humaine si elle s’use et se rouille, peut aussi se sublimer : tel est le rôle du cristal. Propice à la glyptique, l’art de la gravure, le cristal est partout, ce que nous montrent de nombreux travaux d’artistes au cours des siècles. Des perles de Tello (Irak) à l’Aphrodite accroupie de la Villa Getty, l’Antiquité représente un passage dans la sphère figuratif pour le cristal. On appréhende ainsi beaucoup mieux le travail minutieux des bagues papales du XVème siècle ou de la Chute de Phaéton en cristal gravé par Giovanni Bernardi (1494-1553) d’après un dessin de Léonard de Vinci.

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L’art européen comme oriental s’est saisi de cette matière, nous léguant un indice symbolique et spirituel sur son utilisation. Reliquaire de Saint Luc, collier à boule de Chilpéric, phylactère de Saint Hubert, châsse de Sainte Fausse : le cristal s’impose comme un moyen de visiter, plusieurs siècles après, les ateliers d’artisans dévoués répondant aux commandes des puissants. Le prêt par le musée du Louvre du Salvator Mundi de Joos Van Cleve (1485-1541) sublime cette relation, le Christ porteur d’un globe de cristal trônant au milieu du frigidarium clunisien transformé en Jérusalem céleste. On devine un jeu millénaire d’exposition des œuvres médiévales aux variations de la lumière, reflet de la puissance ecclésiastique. De nombreux objets moins attendus, telle une aiguière à forme de dragon de l’atelier des Saracchi, artisans lapidaires milanais, nous plongent dans l’usage profane de la matière, souvent conviée à la table des rois de France.

Un pont entre les hommes

L’usage du cristal pourrait être un objet anthropologique, tant la matière fut utilisée par les civilisations les plus éloignées. L’énergie vitale attribuée au cristal trouve une illustration dans l’association amérindienne d’un quartz et d’une dent, sans doute à fin rituelle. Un polissoir à papier iranien portant une inscription coranique, l’intégralité de la sourate « Ya-Sin », lue en cas de guerre, de voyage ou de maladie nous renseigne sur la façon dont le monde médiéval relaya la fonction divinatoire de la gemme.

La Renaissance et son nouveau regard apporté sur Euclide pousse Luca Pacioli (1447-1517), par son De Divina Proportione (1498) à adopter un regard géométrique sur le cristal. Albrecht Dürer (1471-1528) en déploiera les volumes tandis que les sculpteurs de vanités italiens feront les joies des grandes familles princières. Le quartz sera également partie prenante au XXème siècles et aux aventures de l’optique et du surréalisme. Revanche de la matière sur les hommes, le cristal sera aussi le support de l’une des plus belles blagues modernes : le crâne de cristal prétendument précolombien. Une série de crânes « découverts » au XIXème siècle et attribués au Mictecacihuati aztèque, tel celui longtemps exposé au musée d’Ethnographie du Trocadéro ne sont en effet considérés comme ce qu’ils sont, soit des créations allemandes contemporaines, que depuis quelques petites dizaines d’années. Le sujet fait sourire et évoque tout un pan de la pop-culture amatrice de prêt-à-penser, tel le Royaume du crâne de cristal qu’explore l’aventurier Indiana Jones (Steven Spielberg, 2008).

L’exposition poursuit sa réussite en montrant les capacités actuelles du cristal, qui, s’il est bien un minéral, reste un moteur vivant pour nos artistes. L’un d’entre eux, Patrick Neu, invité de l’exposition réinterprète certains motifs artistiques sur cristal : une scène de bataille sur un verre de cristal au noir de fumée, ainsi qu’une danse macabre dessinée sur la matière brute.

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Le nom d’Eugène Vallin est malheureusement peu connu du public. Il a été pourtant l’un des artistes les plus importants de l’École de Nancy, fondée par Émile Gallé en 1901. Héritier d’un atelier spécialisé dans la menuiserie et le mobilier religieux, fin connaisseur des styles historiques, Vallin s’est progressivement tourné vers le mobilier civil et moderne. Son travail est la quintessence du mobilier art nouveau.

Un artiste nancéen

Formé à la sculpture sur bois dans l’atelier de son oncle Michel Claudel à Nancy, Eugène Vallin fait ensuite un rapide passage à l’École municipale de dessin de Nancy, où il se perfectionne en modelage avant de prendre la succession de son oncle en avril 1881. Ébéniste reconnu par ses confrères pour son incroyable technique, il est l’auteur d’éléments mobiliers aux compositions élégantes pour les plus grands pontes de Nancy. Décors intérieurs, mobilier religieux etc…

Vallin est aussi un passionné d’architecture et réalise des décors de façades et des devantures de magasins remarquables dont sa propre maison qui sera le premier élément art nouveau nancéien. Refusant d’industrialiser sa production, il ne travaille que sur commande. Ce refus d’industrialiser sa production va le différencier des autres ébénistes.

Exposition à la villa La Garenne

Eugène Vallin est un innovateur, il va être influencé par les productions anglaises d’Arts and Craft. Viollet-le-Duc avec Le Dictionnaire raisonné de l’architecture française du XIe au XVIe siècle ainsi qu’Émile Gallé (chef de l’École de Nancy) avec son manifeste, Le Mobilier contemporain orné d’après la nature, constituent les fondations pour la création de son propre style. Il participe d’ailleurs très activement, auprès de ce dernier à la constitution de l’École de Nancy dont il sera le vice-président en 1901. Il réalisera, en collaboration avec Victor Prouvé, le pavillon de l’École de Nancy pour l’exposition internationale de l’Est de la France de 1909.

Cette exposition présentée à la villa La Garenne vous fera découvrir une cinquantaine d’œuvres de Vallin, pour la plupart inconnues car provenant de collections privées. Le parcours, chronologique, est ponctué de dessins de projets, maquettes et documents d’époque qui permettent de mieux appréhender l’œuvre de cette figure de l’Art nouveau. Vous trouverez à la fin de l’exposition, les œuvres d’artistes de l’École de Nancy s’étant inspirés de son style.

Infos pratiques :

Lieu : Domaine des eaux bleues, Villa La Garenne (54460 Liverdun)

Tarif : 5€

Horaires : du lundi au dimanche de 10h à 18h (jusqu’au 7 août 2022)

Plus de renseignements : www.expovallin.fr

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On ne peut que se réjouir de pouvoir approcher de si près les œuvres de Poussin, de Tintoret, de Greco, de Ribera et autres, habituellement accrochées sur les hautes cimaises de musées parfois lointains. On note en effet des prêts des plus grandes collections publiques et privées du monde entier, à l’instar du Musée du Louvre, du Musée d’Orsay mais aussi de la National Gallery of Art de Washington, de la collection Thyssen-Bornemisza de Madrid et surtout du Pola Museum de Kanawaga (Japon).

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Cette exposition est l’occasion de redécouvrir les grands chefs-d’œuvre de la peinture occidentale des temps modernes, à l’aune du travail de Paul Cézanne (1839-1906). Le visiteur aura la joie d’admirer sur les cimaises du musée Marmottan-Monet les sujets chers au peintre : la Montagne Sainte-Victoire, le Château noir du Tholonet, le cabanon des carrières de Bibenus mais aussi ses si reconnaissables natures mortes.

En parcourant l’exposition « Cézanne et les Maîtres», l’influence de l’artiste éponyme sur les peintres occidentaux du XXe siècle est évidente: on trouve dans ses toiles non seulement une manière résolument nouvelle d’aborder la peinture, mais aussi les prémices du cubisme.

Le postulat discutable de l’exposition : l’influence des Maîtres italiens sur Cézanne

Néanmoins, si l’héritage de Cézanne est omniprésent tout au long de l’exposition, force est de constater que le lien entre sa peinture et celle des Maîtres est maigre. Le postulat de l’exposition serait de voir dans les œuvres de Cézanne une influence latine des XVIe et XVIIe siècles. Il s’agirait de prouver par une juxtaposition d’œuvres de peintres italiens à celles de Cézanne, son italianité. À la rigueur, cela se justifie avec le Greco qui était à la Renaissance d’une absolue modernité, peignant le motif avec des teintes saturées et s’éloignant de l’austérité de ses contemporains. Par ailleurs, il est admis que le Greco influença Cézanne puisque ce dernier réalisa une «Femme à l’hermine» intitulée «d’après le Greco». Si ce dernier est connu pour son œuvre en Espagne, il ne faut cependant pas oublier son long séjour en Italie.

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Concernant les autres œuvres exposées, le postulat du conservateur se justifie de manière beaucoup plus complexe. Le visiteur est appelé à reconnaître des similitudes dans la composition, dans la facture, dans l’atmosphère d’œuvres ayant le même sujet. Sans parler d’italianité, quoi de plus simple que de constater des ressemblances entre deux portraits d’un vieillard à la barbe blanche ou entre deux vanités au crâne…

Quant à l’influence que Cézanne aurait pu exercer sur le Novecento italien là encore, le visiteur est en droit de se poser des questions. Lesquelles ne trouvent pas de réponse dans la muséographie de l’exposition. Ainsi la dernière comparaison de l’exposition, censée éclairer d’un jour nouveau le lien entre Cézanne et la peinture italienne, est la mise en pendant d’une nature morte de l’impressionniste avec deux natures mortes de Morandi. Celle de Cézanne, au fond sombre, représente des poires et pommes sur un entablement, alors que les œuvres de Morandi représentent un pichet et des verres sur un fond clair. Aucune référence de couleur, de mise en scène, de dessin, de perspective n’est palpable.

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En résumé, cette exposition est l’occasion de voir la réunion exceptionnelle d’un beau corpus d’œuvres, mais qui n’a hélas pas les arguments de ses ambitions didactiques.

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