Eugène Delacroix naît à Charenton-Saint-Maurice, le 26 avril 1798. Son père Charles-François Delacroix était avocat avant de devenir ministre des Relations Extérieures dans le gouvernement du Directoire. Il est remplacé ensuite par le populaire Charles Maurice de Talleyrand en juillet 1797. Sa mère Victoire Œben est issue d’une famille d’ébénistes renommés. Son père Jean-François Œben, était le célèbre ébéniste du Roi Louis XV.

Marseille, Bordeaux puis Paris

Eugène Delacroix passe ses premières années entre Marseille et Bordeaux. Après le coup d’État de Napoléon Ier, son père se rallie à l’Empire et devient préfet. Il exercera ses fonction tout d’abord à Marseille puis trois ans plus tard en Gironde. A la mort de son père en 1805, Eugene Delacroix, âgé de 7 ans, quitte Bordeaux pour Paris avec sa mère.
De 1806 à 1815, il côtoie l’un des meilleurs établissements de la Capitale, le Lycée Imperial (actuel lycée Louis-le-Grand) où il reçoit une solide éducation et montre rapidement un certain talent artistique. C’est après le décès de sa mère en 1814 qu’il se consacrera pleinement à sa passion: l’art.

Les débuts d’une carrière

Il fait alors son entrée dans l’atelier de Pierre Narcisse Guérin un an plus tard, où il se liera d’amitié avec Théodore Géricault un autre peintre de grande renommée. En 1819 il se lance et commence à peindre ses premières œuvres. Elles sont très inspirées des peintres de la renaissance, dans un style très réaliste. Grâce à sa peinture Delacroix s’inscrit dans la tendance romantique déjà très en vogue dans le Paris du XIXe siècle parmi les milieux littéraires ou musicaux.
En 1822 il paraît pour la première fois au Salon avec La Barque de Dante, ou Dante et Virgile aux Enfers que l’État lui achète pour 2 000 francs. Eugène Delacroix subit pour la première fois les critiques des experts.

En 1831, il obtient sa première récompense officielle avec son fameux tableau : « La liberté guidant le peuple. » Il y représente une allégorie de la deuxième Révolution Française, celle de juillet 1830. Aujourd’hui encore cette œuvre reste parmi les œuvres les plus marquantes de l’histoire de l’art français, et est souvent utilisée comme symbole de la démocratie française. Il reçoit la Légion d’Honneur en 1831.

En 1832 après un voyage en Afrique du nord où il en ressort plein d’inspirations, il se consacrera à partir de 1834 à la décoration de nombreux palais et résidences d’État.

Fin de carrière

En fin de carrière, Eugène Delacroix se consacre plus à la lithographie et dessine de nombreux portraits de ses amis notamment celui du couple Chopin et George Sand, la célèbre romancière. En 1855, il obtient un grand succès à l’exposition universelle de Paris avec son tableau: « La chasse aux lions ». Il est fait commandeur de la Légions d’Honneur la même année. En 1857, il est élu à l’institut de France. Dans ses dernières années il se renferme dans la solitude à cause de sa maladie, il décède des suites d’une tuberculose le 13 août 1863 à son domicile rue de Fürstenberg à Paris.

Delacroix inspirera nombre de peintres, tels le pointilliste Paul Signac ou encore Vincent van Gogh. Il est et restera l’un des meilleurs artistes peintres de sa génération de l’histoire de France.

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On ne peut que se réjouir de pouvoir approcher de si près les œuvres de Poussin, de Tintoret, de Greco, de Ribera et autres, habituellement accrochées sur les hautes cimaises de musées parfois lointains. On note en effet des prêts des plus grandes collections publiques et privées du monde entier, à l’instar du Musée du Louvre, du Musée d’Orsay mais aussi de la National Gallery of Art de Washington, de la collection Thyssen-Bornemisza de Madrid et surtout du Pola Museum de Kanawaga (Japon).

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Cette exposition est l’occasion de redécouvrir les grands chefs-d’œuvre de la peinture occidentale des temps modernes, à l’aune du travail de Paul Cézanne (1839-1906). Le visiteur aura la joie d’admirer sur les cimaises du musée Marmottan-Monet les sujets chers au peintre : la Montagne Sainte-Victoire, le Château noir du Tholonet, le cabanon des carrières de Bibenus mais aussi ses si reconnaissables natures mortes.

En parcourant l’exposition « Cézanne et les Maîtres», l’influence de l’artiste éponyme sur les peintres occidentaux du XXe siècle est évidente: on trouve dans ses toiles non seulement une manière résolument nouvelle d’aborder la peinture, mais aussi les prémices du cubisme.

Le postulat discutable de l’exposition : l’influence des Maîtres italiens sur Cézanne

Néanmoins, si l’héritage de Cézanne est omniprésent tout au long de l’exposition, force est de constater que le lien entre sa peinture et celle des Maîtres est maigre. Le postulat de l’exposition serait de voir dans les œuvres de Cézanne une influence latine des XVIe et XVIIe siècles. Il s’agirait de prouver par une juxtaposition d’œuvres de peintres italiens à celles de Cézanne, son italianité. À la rigueur, cela se justifie avec le Greco qui était à la Renaissance d’une absolue modernité, peignant le motif avec des teintes saturées et s’éloignant de l’austérité de ses contemporains. Par ailleurs, il est admis que le Greco influença Cézanne puisque ce dernier réalisa une «Femme à l’hermine» intitulée «d’après le Greco». Si ce dernier est connu pour son œuvre en Espagne, il ne faut cependant pas oublier son long séjour en Italie.

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Concernant les autres œuvres exposées, le postulat du conservateur se justifie de manière beaucoup plus complexe. Le visiteur est appelé à reconnaître des similitudes dans la composition, dans la facture, dans l’atmosphère d’œuvres ayant le même sujet. Sans parler d’italianité, quoi de plus simple que de constater des ressemblances entre deux portraits d’un vieillard à la barbe blanche ou entre deux vanités au crâne…

Quant à l’influence que Cézanne aurait pu exercer sur le Novecento italien là encore, le visiteur est en droit de se poser des questions. Lesquelles ne trouvent pas de réponse dans la muséographie de l’exposition. Ainsi la dernière comparaison de l’exposition, censée éclairer d’un jour nouveau le lien entre Cézanne et la peinture italienne, est la mise en pendant d’une nature morte de l’impressionniste avec deux natures mortes de Morandi. Celle de Cézanne, au fond sombre, représente des poires et pommes sur un entablement, alors que les œuvres de Morandi représentent un pichet et des verres sur un fond clair. Aucune référence de couleur, de mise en scène, de dessin, de perspective n’est palpable.

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En résumé, cette exposition est l’occasion de voir la réunion exceptionnelle d’un beau corpus d’œuvres, mais qui n’a hélas pas les arguments de ses ambitions didactiques.

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Domenikos Theotokopoulos (1541-1614) naît en Crète au milieu du XVIe siècle. D’abord madonniero, c’est à dire créateur d’icônes, il quitte son île natale pour se rendre en Italie afin de parfaire ses connaissances artistiques. C’est en arrivant à Venise qu’il fut surnommé « Il Greco ».

En arrivant dans la ville des doges, Le Greco rencontre plusieurs grands artistes de sa génération : Véronèse, le Tintoret, Jacopo di Bossano et surtout le Titien auquel il aimera se mesurer, lui qui se définissait comme étant « le meilleur imitateur et connaisseur de la nature ». En 1570, quittant Venise pour Rome, il découvre la manière de Michel-Ange et loin de s’en émouvoir, la critique vivement.  Son séjour à Rome (1570-1577) s’ancre dans le mouvement de la contre-réforme au moment où le pouvoir clérical souhaite corriger les « dérives » maniéristes de la Renaissance. Lorsque le Pape Pie V demanda aux artistes peintres de « revêtir » les nus du Jugement Dernier de Michel-Ange à la chapelle Sixtine, le Greco proposa tout simplement de détruire le décor et d’en créer un nouveau en accord avec les nouveaux canons esthétiques. Il affirme pouvoir réaliser un décor tout aussi qualitatif. L’assurance de ce jeune peintre étranger choque et il lui est demandé de quitter Rome.

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Le Greco se mit en route et s’installa à Tolède en Espagne en 1577, où la politique de la contre-réforme mise en place par les Jésuites plaisait à sa personnalité quelque peu fanatique. Sans rival et pourvu de commandes importantes, il y développa sa manière très atypique qui fait aujourd’hui son succès : des corps souvent contorsionnés, des postures étirées, des formes tourmentées, des couleurs acides…

Artiste majeur de la fin de la Renaissance et du début du grand siècle, l’œuvre du Greco tombe dans l’oubli dans les années ayant suivi sa disparition, le Caravage lui ravissant le succès avec ses compositions modernes réalisées en clair-obscur. Tombant dans l’oubli le plus total, l’art du Greco refait surface à la toute fin du XIXe siècle.

Une exposition historique

L’exposition « Greco – La rétrospective au Grand Palais » à Paris qui se tient en ce moment et jusqu’au 10 février 2020 est un événement historique : c’est la première grande rétrospective de l’œuvre de l’artiste en France. La redécouverte du Greco au début du XXe siècle par les artistes provoque, au-delà d’un choc, une impulsion créatrice qui annonce le cubisme et les avant-gardes. Picasso sera notamment très influencé par l’œuvre peint du Greco.

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Quatre-vingts œuvres sont réunies au Grand Palais, soit un quart de la production de l’artiste. Inédit. Outre les grands sujets religieux très reconnaissables du Greco, le visiteur peut découvrir ou redécouvrir le talent hors norme de portraitiste du peintre grec. L’incroyable maîtrise du pinceau révèle un sens très développé de la psychologie des sujets qu’il représente : que ce soit le portrait du Cardinal Niño de Guevara ou le portrait du Frère Dominicain Hortensio Paravicino.

L’une des pièces phares de l’exposition est l’Assomption de la Vierge, prêté par l’Art Institute of Chicago. La pièce a été acquise en 1906 à Paris par un collectionneur américain et n’est jamais revenue sur le sol français.

Le plus de l’exposition ? Une scénographie très sobre laissant la lumière inonder l’œuvre de Greco qui se révèle par ses plus belles couleurs.

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Aujourd’hui vendredi 5 avril 2019, les amateurs d’art et professionnels du marché de l’art ont vécu une folle envolée à Drouot au moment de la vente d’une œuvre d’un peintre inconnu.

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Maître Hubert Brissonneau, le commissaire-priseur, est au marteau en salle 1 et 7 de l’hôtel Drouot à Paris. Le coup de marteau tombe, 800 euros pour une petite œuvre de William Malherbe. Un manutentionnaire pose une autre œuvre sur le chevalet de présentation face à la salle remplie de fiévreux enchérisseurs. Une œuvre décrite par l’expert de la vente comme « École début XXe siècle, Gondoles sur le grand canal de Venise, huile sur toile, porte une signature en bas à droite, J. Monnier (?) ». J. Monnier, inconnu au bataillon.

Autant dire que la salle ne se préoccupe que très peu de cette œuvre, sauf trois personnes, concentrées plus que jamais. Dans les premiers rangs à droite de la tribune, un homme d’âge mûr aux cheveux frisés, à gauche, un autre homme d’âge certain, ainsi qu’un inconnu au téléphone présent avec le personnel de l’étude.

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La description de l’œuvre est rappelée d’un ton très sûr. Mise à prix quatre–cents euros. Très vite, huit cents, mille, mille cinq cents etc. La barre des dix mille est franchie. Des chuchotements se font entendre. « Qui est ce Monnier ? », « Tu connais toi ? Non, mais ça doit être l’œuvre maîtresse du peintre, c’est pour ça ». Puis vingt mille, trente mille, quarante mille. A cet instant, disons-le, c’est le brouhaha, l’étonnement. De vieux marchands se concertent en fond de salle. Qui peut bien être ce Monnier ? Personne ne peut répondre. « Ceux qui poussent ont certainement trouvé la vraie signature de ce tableau, il faut que l’on cherche ».

Une œuvre vendue à 110 000 € à Drouot

« Cinquante–mille à droite de la tribune ! » crie le commissaire-priseur. Les enchères lentes, mais certaines, s’enchaînent. D’abord de mille en mille, puis de deux mille en deux mille, et enfin de cinq mille en cinq mille. Soixante, Soixante-cinq, soixante-dix, soixante-quinze…. Cent mille ! Des « oh » d’étonnement se font entendre de part et d’autre de la salle des ventes. Le commissaire-priseur demande le calme dans la salle. « S’il vous plaît, s’il vous plaît… ». Il interroge ensuite les enchérisseurs. « Plus à droite, plus au téléphone, je vais adjuger ! Cent dix mille depuis le téléphone de la table d’expertise ! ». Coup de théâtre. La dernière enchère est soufflée. « Plus à droite, plus à gauche, êtes-vous sûr ? Je vais adjuger, une fois, deux fois, cent dix mille adjugé ! ».

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Les vieux marchands n’y comprennent rien. « Qui est ce foutu Monnier ? ». On tente de savoir auprès des enchérisseurs. Rien ne filtre. Un marchand s’approche du tableau, et rit doucement puis sort. Il rit maintenant bien plus fort. « Monnier ? Quelle blague! Il s’agit de Morrice, James Morrice ! ». James Morrice est l’un des plus grands peintres modernes du Canada. Les derniers tableaux de ce peintre à être passés en vente dans le monde ont été vendus entre trois cent mille et neuf cent mille euros. Un Pissaro ou un Martin canadien en somme.

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Une semaine très riche en surprises puisque mercredi 3 avril se vendait à Drouot une œuvre de petit format (27 x 35 cm), dite « école française », estimée à 30/50 euros et vendue 12.500 euros au marteau. Il s’agissait d’une belle œuvre pointilliste de Charles Frechon dont la signature se dissimulait dans la touche de l’œuvre…

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