À Bagdad, le ministre de la Culture a le sourire. Le pays a une bonne nouvelle à célébrer : 23 000 objets antiques auraient ainsi réintégré leur pays d’origine ces trois dernières années. Une information qui a fait les gros titres sur les berges de l’Euphrate et du Tigre en juin dernier. L’Irak est une terre riche d’histoire, avec les royaumes babylonien et assyrien, le passage des empires Perses, Sassanides ou Abbassides et l’enracinement de communautés religieuses musulmanes, juives ou chrétiennes. Si ces périodes lointaines sont aujourd’hui méconnues du grand public, elles font la fierté de tout un peuple, des responsables du patrimoine irakien et des conservateurs du musée national de la capitale. Mais elles ont aussi ravi les pilleurs et les collectionneurs d’objets volés au cours des deux dernières décennies.

Un pillage venu avec les Américains

Avril 2003. Une dizaine de jours après le début de l’invasion de l’Irak, les soldats et les blindés américains prennent possession des grandes artères de Bagdad et font tomber les centres névralgiques du pouvoir de Saddam Hussein. Les ministères sont sécurisés, les entreprises de premier plan – surtout dans le domaine des hydrocarbures – également. Mais le musée national, lui, n’a pas les mêmes égards : ses portes grandes ouvertes sont une invitation au pillage. Parmi les dizaines de milliers d’objets qui disparaissent, certaines pièces sont si rares qu’elles n’ont pas de prix, tel que le masque taillé dans le marbre de la Dame de Warka, considéré comme la Joconde de Mésopotamie.

Mais de nombreux autres objets, moins célèbres et de valeur plus modeste, ont fait l’objet de trafics. Leur traçabilité était pour beaucoup impossible à établir. « Il est tellement facile d’en falsifier la provenance » explique Oya Topçuoğlu, maître de conférences à l’Université Northwestern et spécialisé en archéologie mésopotamienne. « Vous pouvez dire : « Mon grand-père a acheté ceci lors de sa visite au Moyen-Orient en 1928 et il est depuis dans notre grenier » ou « Cela appartient à la collection d’un gentleman suisse qui l’a acheté dans les années 50 ». Personne ne peut prouver le contraire, et personne n’en saura rien. » Ces dernières années, tout le problème pour le gouvernement irakien a consisté à dresser une liste des objets volés.

« Le musée national contenait des milliers d’objets et des manuscrits rares, mais il n’existe aucune statistique officielle sur le nombre d’antiquités volées dans le musée en 2003, déplore l’expert en antiquités Haider Farhan. « Les forces américaines sont directement et indirectement responsables du vol du contenu du musée. » Les autorités irakiennes avancent tout de même une estimation : selon elles, quelque 120 000 objets auraient été dérobés et exfiltrés d’Irak entre 2003 et 2017, entre le pillage sous supervision américaine et celui de Daesh au musée de Mossoul. Vingt ans plus tard donc, une page se referme. Le ministre de la Culture irakien, Ahmed al-Alaywi, fait ses comptes : avec 23 000 objets de retour au pays, c’est une victoire toute symbolique. Car l’immense majorité du butin reste introuvable.

Des plaques tournantes du trafic d’antiquités

« La grande majorité des antiquités volées en Irak ont été envoyées vers l’un des pays du Golfe persique, puis vers les États-Unis, poursuit Ahmed al-Alaywi. Certaines, suite au pillage du musée national par les soldats américains, d’autres par des entreprises mafieuses qui ont profité du chaos sécuritaire. »  En 2017, une affaire a fait grand bruit dans le monde feutré des collectionneurs internationaux : celui de la société américaine Hobby Lobby, condamnée par la justice de son pays à une amende de 3 millions de dollars pour avoir acheté illégalement 5 500 objets anciens venus d’Irak – des tablettes gravées de cunéiformes principalement – auprès de revendeurs basés dans des pays du Golfe persique dont les Émirats arabes unis.

Le plan d’action de Hobby Lobby était simple : les revendre aux plus offrants, aux États-Unis, grâce à de faux certificats d’authenticité. Acculé, le président de l’entreprise américaine, Steve Green, a reconnu à l’époque qu’il « aurait dû exercer davantage de surveillance et remettre en question soigneusement la manière dont les acquisitions avaient été gérées ». Un euphémisme. Depuis 2004, la justice américaine avait totalement interdit l’importation de biens culturels et patrimoniaux venus d’Irak. Tandis que le gouvernement irakien, dès sa remise sur pied, avait lui aussi voté une loi stipulant que toute antiquité originaire d’Irak était propriété de l’État irakien et qu’aucun individu ne pouvait en posséder sans l’autorisation express du gouvernement de Bagdad. Suite au scandale, plusieurs personnes avaient été arrêtées, des Israéliens et des Émiratis. 

Un trafic qui nourrit la violence

Certains analystes vont même plus loin, au-delà du « simple » trafic d’antiquités. Selon The Docket, une initiative de la Clooney Foundation for Justice, les trafiquants de la région se sont largement servis dans le patrimoine irakien, mais aussi plus récemment en Syrie, en Libye et au Yémen. Leurs butins servent avant tout à alimenter les efforts de guerre des belligérants et des milices. « Le pillage d’antiquités est souvent considéré comme un crime sans victime, mais c’est loin d’être le cas », dénonce Anya Neistat, directrice juridique de The Docket. « Le pillage d’objets culturels est destructeur physiquement et socialement, et la vente d’antiquités permet aux groupes armés de financer les conflits, le terrorisme et d’autres crimes contre les civils. »

Selon le rapport publié en 2022 par The Docket, « Les zones franches – essentiellement des entrepôts hors taxes créés pour conserver temporairement des produits manufacturés – jouent un rôle important dans le trafic international d’antiquités pillées. » Reste maintenant aux instances internationales – à commencer par l’UNESCO – de continuer à faire son travail.

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Auteur de spectacles déjà reconnu, Corentin Stemler présentera cet été à Paris son plus gros projet, dont le sous-titre, « le spectacle hommage à Notre-Dame de Paris », parle seul. Bénévole de la Cinéscénie du Puy du Fou depuis 2008, écrivain de théâtre depuis l’âge de dix-huit ans, ce vendéen étudiant en droit dévoile « une grande fresque historique » prenant la cathédrale Notre-Dame de Paris comme point d’attache. Depuis le chantier du XIIIème siècle à celui, actuel, de la reconstruction, il entend faire découvrir les événements marquants du monument en 1h30. L’arrivée de la Couronne d’épines le 18 août 1239, le vœu de Louis XIII, les saccages révolutionnaires, le sacre du 2 décembre 1804, l’abandon terrible dont témoigna Victor Hugo, la restauration d’Eugène Viollet-le-Duc, le Te Deum du 26 aout 1944, l’incendie du 15 avril 2019 et l’ambition de la reconstruction : tous ces évènements seront convoqués en 18 tableaux.

A l’œuvre depuis juillet 2019 pour la construction de ce projet, Corentin Stemler et sa société Symphonia productions ambitionnent de présenter « une synthèse fidèle » des héritages laissés par Victor Hugo et Paul Claudel, dont un poème sera lu lors de la représentation. Sorte d’Objet Scénique Non-Identifié au service du voyage temporel, l’œuvre de ce passionné associera au théâtre une bande-son, composée d’une voix-off, de voix enregistrées et d’une musique originale, signée Richard Liégeois, compositeur déjà remarqué dans Le Grand Hiver (Corentin Stemler, 2023).

Ce dernier, qui confie avoir travaillé sur « une mélodie simple pour un projet compliqué », entend accompagner l’action afin de la mettre en valeur, dans la tradition incarnée par John Powell (Mr. Et Mrs. Smith, Rio, L’appel de la forêt, etc.) ou encore, à un certain titre, John Williams (Star Wars, Indiana Jones, etc.). Richard Liégeois a donc, pour ce projet, dirigé un orchestre symphonique regroupant une quarantaine de musiciens, dont l’œuvre complétera une scène de comédie musicale chantée en direct et un Ave Maria final.

Musique, chants, poèmes défileront donc sur une scène « verticale » qui célébrera le monument parisien et dont l’inspiration doit être recherchée au plus près des travaux de Robert Hossein (La Prodigieuse Aventure du cuirassé Potemkine, 1975 ; Notre-Dame de Paris, 1978 ; Danton et Robespierre, 1978 ; Les Misérables, 1980 ; Un homme nommé Jésus, 1983).

Bénévolat et professionnalisme pour conter 800 ans d’histoire

Avec 90 artistes, dont 75 comédiens et 15 danseurs, la société de production Symphonia entend représenter 800 ans d’histoire. Au cœur du projet, ce sont pas moins de 200 adhérents de l’association qui se relaieront en coulisse et sur scène l’été prochain. Ce bénévolat reflète un travail de longue haleine, qui a regroupé une troupe enthousiaste lors de six week-ends par an depuis deux ans et d’une semaine estivale de répétition générale. Dans l’ombre, les quelques 300 costumes nécessaires aux représentations ont été confectionnés, eux-aussi par des bénévoles. Une idée semble avoir guidé cette belle entente, le choix de « mettre chacun à la bonne place ».

Le montage financier du projet reflète lui aussi une large envie, définitivement bien française, de voir Notre-Dame à nouveau rebâtie, au moins dans les cœurs. La levée de 600 000 euros avec un ticket moyen de 3 000 euros et la prévision d’un budget de 8 millions sur trois ans en témoignent.

Un projet dédié au Beau… qui séduit !

« Qu’est ce qui peux réunir, dans un café parisien, un officier des sapeurs-pompiers de Paris, un prêtre, une fondation, un auteur de théâtre, un musicien et une quinzaine de journalistes ? ». En posant cette question, à laquelle une seule réponse, s’impose « Notre-Dame », murmurée à mi-voix par chaque membre de l’assistance, Corentin Stemler affirme sa détermination. Convaincu « d’œuvrer pour le Beau », il s’est assuré le soutien d’acteurs bien différents, qui saluerons tous, chacun leur tour, le sens donné à ce projet. Ainsi, le capitaine Marc Lemoine, représentant de la Brigade des sapeurs-pompiers de Paris, véritables « anges gardien des monuments français », s’est dit conquis par un projet qui relate un « évènement qui a marqué toute une génération de pompiers ».

Outre des conseils de réalisme et un prêt de matériel destinés aux deux tableaux consacrés à l’incendie de 2019, les pompiers de Paris se déclarent ravis de s’inscrire dans un nouveau projet, en complément des livres et du film « Notre Dame brûle » (Jean-Jacques Annaud, 2022). L’Eglise, représentée par le Père de Villefranche, chapelain de Notre-Dame, a célébré « une œuvre culturelle et cultuelle » qui s’inscrit dans la continuité d’un projet extrêmement divers tout en faisant figure « d’évènement ».

Cet enthousiasme s’est avéré partagé par Sylvie Bretones, déléguée générale de la Fondation Notre Dame, qui a souligné combien les partenaires culturels du projet avaient été frappés par la jeunesse et le dynamisme des bénévoles. Le vocable « œuvrer pour le Beau » était donc sur toutes les bouches en ce début février et devrait persister dès les premières représentations. Enfin, Billet de France, qui a bénéficié pour vous d’un aperçu filmographique du projet, est tout aussi conquis !

« La Dame de Pierre », un spectacle écrit et mis en scène par Corentin Stemler sur une musique originale de Richard Liegeois, les 30 juin, 1^er et 2 juillet 2023 au Palais des Congrès à Paris, puis en tournée dans toute la France. Billetterie ici. Infos Pratiques – La Dame de Pierre – Le Spectacle et Bande-annonce ici.

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En 2010, le président de la République, Nicolas Sarkozy, avait proposé d’inaugurer au sein du musée du Louvre un nouveau département consacré aux « arts des chrétiens d’Orient, des empires byzantins et slaves ». Ce tout nouveau département aurait été dès lors le neuvième du plus grand musée du monde et se serait joint aux départements de « Peintures », d’« Antiquités égyptiennes », d’« Antiquités grecques, étrusques et romaines », d’« Antiquités orientales », de « Sculptures », d’« Objets d’art », d’« Arts de l’Islam » et d’« Arts graphiques ». Malheureusement le président du musée du Louvre à cette époque, Jean-Luc Martinez, avait abandonné le projet.

Une réappropriation des collections

La fondation du nouveau département voulu par Laurence des Cars, et qui sera consacré à « Byzance et aux chrétiens d’Orient », va permettre au Louvre d’exposer de nombreuses œuvres jusqu’alors encore endormies dans les réserves du somptueux palais. Raphaelle Ziadé, responsable du département byzantin du Petit Palais, affirma en effet dans un entretien au journal La Croix que « le Louvre possède des pièces remarquables, depuis les mosaïques paléochrétiennes jusqu’aux objets d’art et manuscrits produits à Constantinople, puis à l’époque médiévale en Syrie, en Égypte, sans oublier les icônes ». Mais si de nouveaux objets feront leur apparition dans les galeries du musée, de nombreux autres, déjà présents dans divers départements, seront installés dans les nouvelles salles afin de rendre plus cohérente la muséographie des collections.

Une source de partenariats internationaux

Plus qu’un simple projet d’exposition, la création d’un nouveau département au Louvre permet de nouer et d’entretenir de nombreux partenariats avec les musées et les institutions culturelles et archéologiques des pays concernés. Ainsi, l’exposition d’œuvres de Byzance et liées aux chrétiens d’Orient permettra au personnel du Louvre d’approfondir les liens d’entraide avec, entre autres, la Grèce, la Turquie, l’Égypte, la Syrie, l’Irak, Israël … Les connaissances sur les civilisations anciennes seront ainsi partagées plus facilement entre les différents chercheurs et des coopérations permettant la préservation de ce patrimoine mis en danger par la guerre et l’islamisme ambiant seront démultipliées. Bien plus qu’une ambition nationale, c’est bien un rayonnement international qui naîtra de ce fabuleux projet qui devrait voir le jour dans la décennie à venir. Il nous tarde déjà d’en voir le résultat !

« Donnez-moi un musée et je le remplirai ». Pablo Picasso

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Ce qui devait être un symbole de paix est devenu une source de tensions. La récente décision de déplacer le monument historiquement présent sur le Champ-de-Mars sur l’avenue de Breteuil (Paris 15ème) n’est pas du goût des riverains. Ceux-ci ont créé une pétition en ligne il y a une semaine afin de demander à la Mairie de Paris son déplacement sur un autre lieu, ainsi qu’un compte Twitter et une page Facebook. Cette pétition a déjà atteinte plus de 2 500 signatures.

#ConseildeParis
Le « Mur pour la Paix », œuvre magistrale de Clara Halter et Jean-Michel Wilmotte, trouvera un nouvel emplacement dans la perspective historique des Invalides. pic.twitter.com/ny5Ytgliog

— Carine Rolland (@carine_rolland) October 6, 2020

Un Grand Palais éphémère

La rénovation du Grand Palais pour y accueillir des épreuves des Jeux Olympiques en 2024 a obligé le déplacement des expositions dans un Grand Palais construit spécialement pour l’occasion sur le Champ-de-Mars. Ce nouveau bâtiment éphémère empiètera sur l’emplacement actuel du monument. Presque entièrement en verre, le Mur de la paix a été pensé il y a 20 ans par la sculptrice Clara Halter et l’architecte Jean-Michel Wilmotte et monté pratiquement au pied de la prestigieuse École militaire.

«Une dalle de béton de 200m²»

Le monument, dont l’objectif est de promouvoir la paix en 49 langues, devrait prendre ses marques aux abords de l’une des deux aires de jeux de l’avenue. Le collectif SOS Breteuil dénonce entre autres une « menace pour la sécurité et la tranquillité des deux aires de jeux pour enfants, peu nombreuses dans ce quartier densément peuplé ».

Un déplacement qui coûterait la modique somme de 1,5 million d’euros, financé à moitié par la Ville de Paris et l’autre par le ministère de la Culture. Cette action aurait pour conséquence  la « disparition d’une pelouse sur un site pourtant classé (zone d’intervention totale de 560m²) au profit d’une grande dalle de béton de 200m² » explique la pétition. Pour autant, le mouvement se refuse de juger le monument en lui-même. « Le collectif n’est ni contre la reconstruction du monument, ni (contre) sa symbolique ». Un mur qui ne fait pas la promotion de la paix dans le quartier…

La honte, une de plus pour la Mairie de Paris. Ce mur de la Paix est une verrue immonde. https://t.co/7rohwW4XwA

— La Tribune de l'Art (@ltdla) October 6, 2020

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Situation exceptionnelle dans un beau cadre verdoyant aux portes de la ville de Morlaix pour ce beau château développant 646 m² habitables. Une belle allée bordée d’arbres donne accès au domaine. Les origines du château remontent au XVème siècle mais il a été remanié au XVIIème et au XIXème siècle dans un style néogothique. La tour hexagonale sur la façade postérieure, flanquée d’une tourelle en cul-de-lampe, renferme un très bel escalier à vis en pierre. Sur le rez-de-chaussée vous trouvez une belle halle d’entrée, un salon et une salle à manger lumineuse, une spacieuse cuisine, une verrière, salle d’eau, WC, et bureau et aux étages 10 chambres et 5 salles de bains. Une maison de gardiens, de très belles écuries et un séchoir complètent cette magnifique propriété de prestige. Le parc en terrasses avec bassin et vasque lui confèrent un charme fou. La mer et les belles plages de Carantec sont à seulement 15km, Locquirec est à 24 km.

Prix : 1 575 000 €

Situé à 170 km au Sud de Paris, dans une belle région vallonnée et boisée, à mi-distance entre les villes d’Orléans, Auxerre et Bourges, et à proximité de Gien, cette rarissime propriété dispose de tous les atouts : somptueuse architecture, intérieur à taille humaine, bon état d’entretien général, dépendances et maison d’amis raffinée, jardins élégants, beau parc boisé, rivière, le tout adossé à un petit village sans nuisance qui apporte sécurité et premiers services.

Le château d’origine médiévale a été réaménagé aux XVIIème et XVIIIème siècles, il comporte 2.000m² de surface habitable. Il comprend :

Au rez-de-chaussée : une belle réception avec entrée, grand et petit salons, salle à manger, bibliothèque, fumoir, cuisine, office, WC. Ces pièces sont ornées de beaux parquets, de boiseries, de cheminées et de plafonds à la française. Superbe cuir de Cordoue du XVIème siècle dans la salle à manger.

A l’étage, salle des gardes, six chambres, quatre salles de bains, cabinets de toilette, petite cuisine. Au-dessus, autres chambres et salles de bains. Chauffage central au fuel.

Les dépendances comprennent :

– Une spacieuse et confortable maison d’amis de 350m² environ (570m² avec les garages) avec piscine, jardin et garages ;

– Une maison de gardien et un autre logement de personnel ;

– Une vaste salle de réceptions (250 m²) avec sanitaires et cuisine ;

– Garage, atelier, remises diverses.

Autour du château, beaux jardins à la française en terrasse, ceux-ci se prolongent par un parc à l’anglaise aux arbres centenaires et par un bois d’agrément percé d’allées cavalières.

Pièce d’eau. Rivière bordant la propriété. Surface totale 17 hectares.

Prix : 3 950 000 €

Propriété d’exception, ce château et haras avec héliport à 25 km du centre de Nantes et de la gare, 35 km d’un aéroport international et 80 km de La Baule, sur domaine de 128 hectares clos de murs dominant l’Erdre avec accès privé et ponton de 30 mètres.

Château entièrement rénové de 1000m² habitables avec piscine intérieure, hammam, salle de sport.
Nombreux logements indépendants sur la propriété.

Le Haras du Pont Hus est l’un des plus prestigieux de France comprenant de nombreux prés et paddocks, carrière et manège, permettant d’accueillir jusqu’à 400 pensionnaires.

Les installations édifiées en bois sont divisées par activités :
Obstacles, dressage, élevage et formation des jeunes chevaux.
Présence d’un centre d’insémination.
La reprise de la totalité des activités du Haras est possible en sus des installations.

Prix sur demande.

Superbe propriété de 11 hectares avec son Château du 17ème siècle. Il se situe en Vendée, à la limite avec les Deux-Sèvres et le Maine-et-Loire, à quelques minutes d’un bourg avec l’ensemble des commerces et à seulement 20 min du Puy du Fou. Une campagne boisée et vallonnée entoure l’ensemble. Le château est de forme rectangulaire flanqué de quatre tours aux angles. Il s’élève sur deux niveaux pour une surface habitable de 600m² avec un grenier aménageable de 300m² et un sous-sol complet. Très belles prestations avec de grandes réceptions autour d’un vaste hall d’entrée, 5 belles chambres avec salle de bain et une cuisine professionnelle neuve. Plusieurs dépendances aménagées en 6 gîtes de groupe et une très belle chapelle rénovée agrémentent le château. Idéal pour l’organisation de mariages.

Prix : 2 625 000 €

Sur l’axe Rennes-Redon, un château du début du 19ème siècle, entièrement à réhabiliter, et son parc paysager de six hectares avec pièce d’eau.

Une large allée bordée de grands arbres mène sur plusieurs centaines de mètres au cœur de la propriété de six hectares. Là, se dresse le pavillon de gardien ainsi que l’écurie. Au bout de l’allée, le château se devine au travers de la large frondaison des arbres. Au milieu du domaine entièrement boisé, posé sur les hauteurs d’une clairière, site d’un ancien manoir, le château XIXème de style néo-classique se reflète dans le large plan d’eau qui, en contrebas, lui fait face. Autour du château, rayonnant en étoile des allées invitent à la promenade.

D’une surface habitable d’environ 900 m², il est édifié sur une éminence entre 1830 et 1840. En pierre, de plan rectangulaire, il est construit dans le style néo-classique. Sur un soubassement en granit, les murs sont élevés en schiste recouvert d’un enduit à la chaux. Les chaînes d’angle à bossages, les jambages, les linteaux, les corniches et les piliers sont en pierre calcaire. Le château s’organise en sept travées de baies. Sur la façade principale aspectée au sud, en partie centrale, un large perron en granit mène à un porche à quatre piliers surmontés d’une terrasse. La balustrade de la terrasse et les garde-corps des baies sont en fonte à décors floraux. Au nord, un perron permet également l’accès au parc. Couvert d’ardoise, l’édifice est coiffé de cinq lucarnes et de deux grandes cheminées appareillées en brique.

Prix : 395 000 €

Château du XIXème à rafraîchir sur env. 7 Ha de parc avec piscine
A 20 km de Ruffec, entouré d’arbres centenaires et dominant La Charente, Château des années 1850 de 410 m² Hab. Un Gîte de 100 m², un chenil et 3 autres dépendances viennent compléter cette Propriété. Intéressant projet de rénovation pour cette demeure qui a su conserver bon nombre de ses éléments d’origine : moulures, boiseries, parquets, monte-charge plat, élégant escalier, cheminées… Les 205 m² du dernier étage peuvent faire l’objet d’une extension.

Prix : 787 500 €

Perché au-dessus et surplombant la campagne environnante, ce magnifique château de 8 chambres, avec un appartement d’une chambre, offre la possibilité de créer des chambres d’hôtes, un hôtel de charme ou un lieu de mariage. Le charme du domaine est sans fin avec une longue allée et une entrée avec des piliers en pierre, diverses dépendances en pierre, une douve ancienne et une cour centrale avec une vue magnifique. Quelques travaux à prévoir.

Prix: 1 325 000 €

Dans la Vienne, à seulement 15 min du centre-ville de Poitiers, authentique château XIXe (origines XVe) d’environ 2 000m² de surface habitable sur son domaine de 17 hectares. Impressionnant par sa taille et son architecture original, ce château domine depuis plus de 600 ans la vallée et les bois environnants. Une allée de bienvenue bordée de majestueux arbres conduit jusqu’au château précédé de sa cour d’honneur. En forme de L, le château offre environ 2 000m² de surface habitable répartis sur plusieurs niveaux. Vaste réception en enfilade au RDC dédiée à l’événementiel d’une surface totale de 300m² avec hall d’entrée, WC, espace traiteur et terrasse extérieur. Aux portes de Poitiers, château idéal pour projet événementiel ou hôtellerie (potentiel d’une trentaine de chambres).

Prix : 1 600 000 €

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Quand et comment vous est venue la passion de l’autographe ?

« Dans un passé lointain après des études de biologie, j’avais par hasard fait le commerce des timbres. Je me suis passionné dans les années 1970-1980 pour l’histoire de la Poste. Peu de gens le savent, c’est un sujet très vaste qui est à la base des relations internationales, du commerce et de l’épanouissement des peuples ».

Un jour au cours de ses pérégrinations de collectionneur, Jean-Emmanuel découvre sur un pli une marque postale “Armée de catalogne”. En ouvrant la lettre, il y découvre la signature du Maréchal Suchet. Cette découverte allait marquer le début d’une saine maladie, la collectionnite.

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Monsieur Autographe se souvient de son ressenti : « Un maréchal de Napoléon ?! C’est à peine croyable ! J’ai déchiffré cette lettre et j’y ai découvert la Campagne d’Espagne ! Je me suis mis à rêver ! A l’époque, j’étais totalement inculte sur l’époque napoléonienne. Mais je me suis dit que si on pouvait trouver une lettre d’un maréchal, on pouvait bien trouver une lettre de Napoléon ! Et voilà que j’ai foncé à Drouot pour chercher une lettre de Napoléon qui se présenta un mois plus tard sous la forme d’une lettre signée de Bonaparte pendant la Campagne d’Italie ».

Heureux mais déjà clairvoyant, Jean-Emmanuel Raux était frustré de cet achat : Napoléon ne signait que comme un général. « Je voulais sa signature en tant qu’Empereur. Et rebelote, encore à Drouot, je finis par calmer mon ardeur avec une lettre signée par Napoléon. À l’époque la vogue des lettres et objets de l’Empire ne faisait que démarrer et les prix étaient encore relativement bas ».

Votre collection s’est axée autour de l’Empire, et ensuite ?

« C’est en effet par l’Empire que ma collection est née et pendant de longues années, ce fut l’unique période de l’Histoire à me passionner, puis ce fut les rois de France, les musiciens, les littéraires, etc. Aujourd’hui je n’ai plus de véritable collection, tout est inclus dans les réserves de la galerie ».

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Avec le temps, vous êtes devenu un si grand collectionneur, qu’il a fallu ouvrir un commerce pour partager votre passion. A quand l’ouverture de votre première galerie puis le titre d’expert en autographes ?

« J’ai ouvert ma première boutique à Saint Germain en Laye en 1975. Je vendais un peu de tout : des gravures anciennes, des livres, de la philatélie et des autographes. J’avais à l’époque de vrais chineurs et de vrais collectionneurs qui n’hésitaient pas à assumer leurs passions et qui venaient très régulièrement acheter mes dernières trouvailles. J’ai eu jusqu’à 5 vendeuses autour de moi pour m’aider à recevoir la clientèle. En 1998 j’ai fermé le magasin et j’ai ouvert à Paris, au 9 rue de l’Odéon, ma galerie actuelle. Je n’ai rapporté à Paris que mon ensemble de lettres autographes. C’est au bout de 10 ans seulement, après 30 ans d’expérience que j’ai commencé à faire des expertises de documents autographes. J’exerce en plus de la galerie, en apportant mes expertises à plusieurs commissaires-priseurs à l’occasion de successions ou de lots de particuliers ».

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En trente ans d’expérience en la matière, il va sans dire que vous avez dû croiser quelques pépites. Quels sont les plus belles pièces que vous ayez eu l’occasion d’acheter ?

« J’ai la chance, par un regard aiguisé, d’avoir pu acquérir au fil du temps et du hasard des documents qui sont de véritables trésors. Un jour je me souviens avoir vu le matin à Drouot une lettre que personne n’avait pu déchiffrer et qui avait été mise de côté. Je suis passé par tous les stades du stress maximal, entre hantise et désespoir de ne pouvoir acquérir ce document si précieux à mes yeux… et si onéreux ! La vente commença à 14 h par des signatures diverses, j’en achetais certaines et j’attendais avec impatience mon document. Les lots n’avaient pas de numéros et cela se faisait au gré du commissaire-priseur. A la fin enfin le commissaire-priseur présenta le document convoité, d’une voix calme il annonça : « Nous allons vendre ce document que nous n’avons pas pu identifier… Y a-t-il preneur ? 10 euros ? Personne… ». Il me demanda si j’en voulais et j’acquiesçais d’un signe de tête et le marteau tomba. Stupéfait moi-même, qui ne pensais même pas pouvoir avoir les moyens de l’acquérir, j’achetais ce petit bout de papier qui s’était promené au fin fond de l’Afrique et qui était signé par des signes cabalistiques des rois locaux… pour un prix dérisoire !
Une autre fois, perdu au milieu d’une vente gigantesque, le manuscrit de la bataille d’Austerlitz sous la dictée de Napoléon qui l’avait corrigé à plusieurs reprises. Le plus grand manuscrit de l’Histoire Française. Les Archives de France n’ont rien de cette qualité pour l’époque napoléonienne… Là encore, le hasard a fait que ce manuscrit passa après 3 heures de vente, la directrice des Archives nationales assise à côté de moi… dormait ! Heureusement pour moi… Malheureusement, les Archives de France s’y prennent vraiment très mal pour le racheter… ».

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Qui sont vos clients ? Particuliers et/ou institutions ?

« Les institutions françaises et particulièrement le Ministère de la culture et le Service Historique de la Défense se sont mis tout le marché à dos. C’est navrant. Heureusement les musées étrangers se gaussent de nos difficultés et de nos règles d’exportations qui font que beaucoup de choses ne reviennent plus sur le marché. Cela fait 30 ans que je n’ai rien vendu aux archives de France. Je ne signale même plus les pièces litigieuses que je vois par ci par là. Il faudra bien qu’un jour on refasse ces lois spoliatrices qui permettent à des fonctionnaires de voler dans les archives privées des documents légalement acquis auprès d’officiers ministériels ». C’est dit, avec Jean-Emmanuel pas de langue de bois !

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« J’ai de très gros clients, des personnalités très connues comme des collectionneurs très discrets. J’aime raconter une anecdote vécue : un jour que je vendais des autographes de la période de Louis XIV à un client régulier, ma curiosité me poussa à lui demander dans quoi il travaillait. Il était éboueur. La collection de belles pièces autographes n’est donc pas réservée à une élite ! C’était un personnage, à chaque fois il s’amusait à jouer les lettres que je lui vendais. On changeait de siècle et d’un seul coup on était transposé à Versailles ! ».

Si Monsieur Tout-le-monde peut acheter, une question se pose : à partir de combien et pour les plus grands collectionneurs, jusque combien ?

« J’ai toujours détesté les gens qui se fixent un prix de base pour leurs collections. La rareté n’a absolument rien à voir avec le prix. Le meilleur exemple est Proust. Il a une correspondance abondante, ce n’est pas rare du tout mais simplement cher. La côte est à mes yeux surfaite. Il y a d’autres auteurs bien plus intéressants, moins médiatiques et donc moins chers. On peut trouver de magnifiques trésors à 100 euros et parfois moins, comme on peut en trouver des prestigieux au-delà de 4000-5000 euros. En général le marché français est la moitié du marché international, c’est dire qu’il y a de la marge… »

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Jean-Emmanuel Raux me confie par ailleurs, et c’est tout à son honneur, qu’il a toujours respecté les petits collectionneurs aux moyens limités pour une raison très simple : ils ont su préserver des documents dédaignés et les ont ainsi sauvegardés de la destruction.

Comment abordez-vous le marché de l’autographe actuellement par rapport à vos débuts ?

La réponse ne se fait pas attendre et le point de vue n’est pas tendre :
« Cela a bien changé. La France s’est appauvrie, les Français sont devenus plus pauvres, les salaires en comparaison ont baissé mais pas les charges sociales, toujours aussi lourdes. On est sous la pression de la mondialisation avec des pays inégaux dans l’Union européenne. Il y a aujourd’hui pléthore de réglementations qui n’existaient pas alors. Les Archives de France ont imposé à l’Union Européenne de lourdes contraintes sur le patrimoine qui sont totalement improductives. L’État français a aussi institué un décret en 2008 qui spolie les gens qui avaient acheté en toute légalité des documents historiques vendus par des officiers ministériels pendant 250 ans. Résultat, des documents revendiqués s’empilent dans d’obscures réserves d’archives et ce, inutilement. Il est devenu quasiment impossible de vendre en France une lettre de Napoléon sous peine de se la voir revendiquée. Tout est aujourd’hui vendu clandestinement ou dans des ventes à l’étranger, surtout aux États-Unis. Tout un marché de l’Histoire a quasiment disparu des radars. Le meilleur conseil que je puisse donner à des collectionneurs, c’est de ne pas vendre en France ».

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Internet a t-il changé l’essence de votre métier ?

« On a découvert que des acheteurs étrangers étaient bien plus forts et que le marché français ne se porte pas si bien que cela. Il est devenu le “Rungis de l’Art” pour le marché international. Quand vous voyez un tableau estimé 300 000-500 000 € se vendre à Drouot 1 million, c’est qu’il en vaut le double au minimum dans une galerie américaine. En réalité le marché de l’Art en France est nauséabond. Il est bon pour les commissaires-priseurs qui ne voient que leurs marges sans se préoccuper de la valeur réelle des œuvres vendues à l’échelon international ». C’est dit !

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Votre plus beau souvenir en tant que expert ?

Jean-Emmanuel Raux s’exclame « Oh alors j’en ai beaucoup ! ». Voici quelques records pour lesquels Monsieur Autographe était expert : « le 15 novembre 2012, j’avais expertisé un petit morceau de la Marseillaise estimé 10-15000 euros et qui s’est vendu 236 000 euros, soit plus de 30 fois le prix obtenu précédemment par un manuscrit complet de la Marseillaise acheté par Gainsbourg (Vente Néret-Minet & Tessier Sarrou). J’ai été fasciné d’avoir en main le manuscrit de Verdi pour Otello, le passage de l’Ave Maria qui s’est vendu 142 000 euros frais compris. Dernièrement, le 26 février 2020, une lettre de Baudelaire du 17 mars 1854, concernant Edgar Poe, a fait 4 200 euros plus les frais. Mais c’est surtout les précieux manuscrits d’Henriette d’Angeville sur son ascension du Mont Blanc qui, dans la même vente, ont réalisé un beau produit de vente : 23 500 euros hors frais de vente ».

Vous avez une fille qui vous assiste, a t-elle décidé de reprendre le flambeau ?

« Ma fille a un œil infaillible pour les belles œuvres d’art moderne. Après des études de commerce d’art, elle se passionne pour les tableaux de la période 1890-1970. Je lui apprends en permanence en lui transmettant mon savoir, mes expériences. Elle se passionne pour les écrits des peintres de cette période. Je ne doute pas que la galerie se transforme un jour en une galerie internationale importante… »

Propos recueillis par Florent Marles

Galerie ARTS ET AUTOGRAPHES
Jean-Emmanuel RAUX, expert en autographes et manuscrits
9 rue de l’Odéon
75006 PARIS
Tél.: 01 43 25 60 48
Galerie ouverte à partir du 12 mai du mardi au samedi inclus sur rendez-vous
De 11 h à 12 h 30 et 14 h à 18 h.

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The Comedian, présenté en décembre dernier à Art Basel Miami par Maurizio Cattelan, artiste contemporain de renom, a fait grand bruit. Cette banane, scotchée comme un défi lancé par l’artiste à la face des collectionneurs, est présentée alternativement comme indécente ou révolutionnaire. Retour sur la polémique, à tête reposée.

Un goûter onéreux 

Maurizio Cattelan a agité les foules en provoquant rires et incompréhensions lors de la présentation de The Comedian : une banane scotchée à un mur. L’œuvre existe en trois exemplaires, tous vendus entre 120 000 et 150 000$ – un rapport calorie/prix discutable.

Comble du scandale, l’une de ces bananes a été mangée par un visiteur de la foire, qui a posté la vidéo de son acte a priori iconoclaste, le revendiquant comme une performance. Si certains s’en sont émus, en réalité, l’œuvre mangée n’a en rien perdu de sa valeur – le « buzz » créé lui a même fait gagner en notoriété.

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La banane mangée, que reste-t-il de The Comedian ? De fait, il reste son certificat d’authenticité et le protocole fournis par l’artiste : c’est-à-dire, l’œuvre en substance. En effet, le protocole indique qu’il convient de changer de banane plus ou moins tous les dix jours, et de la re-scotcher sur le support désiré.

Le prix de plus 100 000$ pour une banane, qui doit être changée tous les dix jours, a pu sembler obscène. La banane scotchée, vendue à une telle valeur, a été considérée comme un ultime geste de mépris de la part du monde de l’art contemporain, scotché à la figure des collectionneurs et passionnés. Non seulement la réalisation est enfantine, mais encore, cette œuvre pousse dans ses derniers retranchements la création artistique.  

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Alors, pourquoi se vend-t-elle, et à un tel prix ? Il convient de rappeler que Maurizio Cattelan est un artiste contemporain à la cote très élevée, dont les œuvres ont été exposées dans nombre d’institutions de prestige. Le prix de sa banane, de fait, suit simplement la valeur des autres créations de l’artiste. Par ailleurs, il semblerait aberrant de vouloir calquer le prix des matériaux employés pour la création artistique à la valeur de l’œuvre d’art. Cependant, puisque la valeur intrinsèque des matériaux utilisés n’importe pas et que seule l’œuvre finale doit être prise en considération, d’aucuns se sont interrogés sur la quasi-absence du geste artistique dans l’œuvre de Cattelan.

La main de l’artiste doit-elle faire l’œuvre ?

Si Maurizio Cattelan laisse à ses collectionneurs le soin de renouveler son œuvre tous les dix jours, peut-on réellement la considérer comme de l’art, en l’absence de travail technique fourni par l’artiste ? Cette question semble animer le milieu de l’art contemporain ; sans parler des ready-made, sur lesquels nous reviendrons, on s’offusque du fait que des artistes osent travailler avec l’aide d’un atelier. Le mythe de l’artiste créateur, seul face à sa toile blanche, attendant la divine inspiration, est bien loin. On a entendu affirmer que de nos jours, l’artiste businessman règne sur le marché, au détriment de la création artistique. Pourtant, ce point de vue nous semble trop simpliste.

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Rappelons que la pratique de l’atelier, c’est-à-dire, dans le sens où nous l’entendons ici, le rassemblement de divers travailleurs sous les ordres d’un maître, doit être réinscrite dans le temps plus long de l’histoire de l’art. S. Sofio, sociologue et historienne de l’art, souligne que très peu d’artistes travaillent totalement seuls avant le XIX^e siècle. A ce titre, les ateliers de la Renaissance préfigurent les ateliers contemporains, à une moindre échelle. Rembrandt, pour ne citer que lui, ne travaillait pas seul mais bien entouré. S. Alpers, dans un ouvrage qui fait date, a même qualifié Rembrandt de « pictor economicus » : acteur économique, le peintre, grâce à sa pratique d’atelier, a pu produire des œuvres massivement en capitalisant sur sa manière de peindre. Le maître n’est donc pas celui qui réalise une œuvre du début à la fin, mais celui qui donne des instructions pour que ceux sous ses ordres la réalisent, selon son idée.

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Et c’est bien ce qu’il se passe dans la création contemporaine. Remémorons-nous Andy Warhol et sa factory, mais aussi Olafur Eliasson (artiste contemporain dont on peut admirer, par exemple, Inside the horizon à la Fondation Louis Vuitton), qui prône la transparence dans le processus de création artistique en atelier. Interrogé sur son caractère collaboratif, il déclare : « J’aimerais penser que je suis responsable de l’idée. J’espère que nous sommes tous d’accord pour dire que je suis celui qui a le dernier mot ».

La banane promue Art par le simple choix de l’artiste – un geste novateur ?

Après avoir établi que le statut d’œuvre d’art ne dépend pas entièrement de sa réalisation par la main de l’artiste, revenons sur sa composition. En l’espèce, une banane, fruit périssable, et du scotch. Est-ce si novateur ? La premier ready-made, ou « objet usuel promu à la dignité d’art par le simple choix de l’artiste », selon le Dictionnaire abrégé du Surréalisme, a été présenté par Marcel Duchamp, il y a de cela plus de 100 ans. Cela fait donc environ un siècle que l’on sort des objets, souvent manufacturés, de leur contexte pour les élever au rang d’art. Ce n’est pas non plus le premier ready-made de Maurizio Cattelan. En 1996, il présente Another fucking ready-made : l’exposition de l’entièreté du contenu de la galerie voisine, mobilier compris, emballé et subtilisé au cours de la nuit précédant le vernissage.

Si le caractère périssable de l’œuvre peut sembler novateur, notons tout de même que l’art organique a déjà été expérimenté depuis plusieurs dizaines d’années. Michel Blazy, par exemple, réalise des installations en purée, yaourt, croquettes pour animaux, écorces d’orange… Son Mur de poils de carotte, présenté en 2000 à Toulouse, est réalisé en étalant de la purée de carotte sur un mur. La réalisation est déléguée au musée acquéreur de l’œuvre organique, que l’on laisse ensuite se décomposer sur place.

Alors, qu’est-ce qui change ? Au-delà du caractère plaisant et à l’esthétique choc et provocante de la banane, ce qui change est le protocole de l’œuvre de Cattelan. Il nous semble insister encore davantage, si cela est possible, sur le fait que la matérialité de l’œuvre n’est pas son sujet principal. La banane, puisqu’elle est vouée à être remplacée tous les 10 jours, n’a aucune incidence en tant que telle. Il importe peu que le fruit utilisé soit celui choisi par l’artiste, et placé là dès le premier jour : ce qui compte est l’idée de la banane scotchée, et non l’utilisation d’une banane x ou y. La matérialité de la banane, périssable, remplaçable, multiple, est négligeable face au concept de l’œuvre. L’idée de l’œuvre prime la matérialité.

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Issu d’une lignée de bijoutiers, Eugène Fontenay s’installe à son compte à l’âge de 24 ans. Très vite, il attire une clientèle de premier rang. La reine Marie II de Portugal lui commande notamment un éventail de style renaissance en 1852. Après son véritable premier chef d’oeuvre de joaillerie, un diadème formé de deux branches de roncier sauvage en platine serti de diamants, il se fait le chantre d’une tradition bijoutière française qu’il compte poursuivre dans le grand style du XVIIIe siècle. En ce sens, il crée pour l’impératrice Eugénie, épouse de Napoléon III, un bijou d’un luxe admirable : un tour de tête modulable, dont les neuf grands fleurons constitués d’émeraudes et de saphirs peuvent être remplacés par dix-sept gros diamants pendeloques faisant partie de la rivière impériale…

Son carnet de commande ne cesse de s’agrandir et les demandes princières d’affluer. Au cours de la décennie 1860, il crée pour cette richissime clientèle des boites à bétel, des pipes, des boucles de ceinture, des miroirs et même de l’équipement de cavalerie en or et pierres précieuses pour le Roi de Siam ou encore le Shah de Perse. La plus incroyable de ses luxueuses créations est un service de table réalisé pour le roi d’Egypte entre 1858 et 1867, probablement disparu aujourd’hui :

Un « service de table en or, brillants et pierres précieuses (…) exécuté (…) pour (…) Saïd Pacha. Ce service, composé de 42 couverts en or et émaux couvert de brillants, dont chacun avait une valeur de 60 000 Fr. était complété par un grand compotier occupant le centre d’un ensemble où figuraient deux candélabres à six branches valant pièce 1.800.000 Fr. ».

 Eugène Fontenay, Les bijoux anciens et modernes, Paris, 1887

Eugène Fontenay partage son savoir avec de nombreuses maisons de joaillerie, au premier rang desquelles Boucheron. Son style très personnel plait à la gent du XIXe siècle. Par exemple, il crée des colliers en or décorés d’émaux peints par Eugène Richet et sertis de diamants (Maison Boucheron, British Museum, Londres).

Henri Vever (1845-1942)

Henri, assisté de son frère Paul, transforme à la fin du XIXe siècle la bijouterie familiale messine en firme de renommée internationale : La maison Vever. Sise rue de la Paix dans le deuxième arrondissement de Paris, la maison Vever s’inscrit pleinement dans le renouveau décoratif apporté par le mouvement éponyme : l’Art Nouveau. Les frères Vever font appel à Eugène Grasset, célèbre affichiste et décorateur, pour dessiner des bijoux d’un raffinement inouï. Les formes de prédilection sont celles de l’art nouveau : les femmes, les plantes ou encore le paon.

Présents aux expositions universelles de 1878, 1880, 1900 mais aussi aux grandes expositions de Bruxelles, Moscou, Chicago, leurs créations attirent l’attention des critiques mais aussi du jury. La critique les encense, à l’image de celle d’Emile Monod à l’exposition universelle de 1889 :

« Les branches de rose, d’amandier, de fraisier… ainsi que des orchidées et les fleurs de toutes sortes exécutées en diamant d’une façon si légère et d’un mouvement si naturel qu’on les aurait crues cueillies dans les champs par une belle matinée de givre ».

Exposition universelle de 1889, Paris, 1889; vol. III « Les industries de luxe », E. Dentu, p.539

Les frères Vever apportent à la joaillerie un regard tout à fait nouveau et régénérateur, et connaissent donc un véritable succès au tournant des XIXe et XXe siècles. Les hommes les plus influents du monde comptèrent parmi leurs clients : Alexandre III, le Shah de Perse ou encore le président Sadi Carnot. La bijouterie Vever transmise de génération en génération ferma définitivement ses portes en 1982. 

Le modèle le plus connu de cette collaboration est le pendentif Poésie récompensé à l’exposition universelle de 1900 qui se compose d’une figure de femme stylisée et habillée de branches de fleurs.

Alphonse Fouquet (1828-1911) et Georges Fouquet (1862-1957)

Associé à son père Alphonse Fouquet, Georges Fouquet est considéré comme l’un des pères de la bijouterie moderne. Alphonse se fait remarquer très jeune en 1855 alors qu’il participe à un concours pour un modèle de parure de tête destiné à la corbeille de mariage d’Ismail, pacha d’Egypte. En 1860, il crée son propre commerce à Paris et emploie une trentaine d’ouvriers pour réaliser des bijoux d’une riche fantaisie qu’il exporte en Europe mais aussi en Amérique du Sud. A l’exposition universelle de 1878, il présente plusieurs pièces de joaillerie d’un luxe inédit, des « bijoux-dentelle » et des parures à l’antique. Les bijoux ont été dessinés par Alphonse tandis que la création à proprement parler est l’œuvre du célébrissime sculpteur Carrier-Belleuse.

En 1895, Alphonse laisse la direction artistique et commerciale à son fils Georges qui va rivaliser d’ingéniosité en s’inspirant des succès de Lalique et de Vever. Dans la course de l’exposition universelle de 1900, il s’entoure du renommé Alphonse Mucha pour la création artistique. Sarah Bernhardt est l’une de ses plus grandes clientes. La maison Fouquet produit tous les bijoux en vogue à l’époque : diadèmes, broches, bracelets, bagues, peignes en corne blonde, « colliers de chien » (colliers enserrant le cou), pendentifs etc.

Georges toujours à l’écoute des femmes et de l’évolution de la société transforme rapidement l’esprit de ses créations pour épouser au lendemain de la Première Guerre mondiale les canons de l’Art Deco. De là, naissent des bijoux résolument modernes aux formes géométriques, aux lignes droites et pures que Georges Fouquet justifie en ces mots :

« Le bijou doit être composé de masses lisibles de loin, la miniature est haïssable » et d’ajouter que « bijoux et pièces d’orfèvrerie doivent constituer des œuvres d’art tout en répondant au même besoin que les articles industriels ».

 Jean Fouquet, Bijoux et Orfèvrerie, Paris, 1931

Malheureusement, la crise financière de 1929 fut fatale à l’entreprise à la fameuse devanture réalisée par Mucha installée rue Royale (Paris 8e) Elle ferma définitivement ses portes en 1936.

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Florent Marles : Peux-tu te présenter ?

Mathias Souverbie : Je m’appelle Mathias Souverbie et je suis sculpteur. Je suis né en 1982 en région parisienne et commence mon parcours artistique en 2010 après une dizaine d’années au sein d’un atelier de moulage de la Drôme. Ce qui me fascine dans la sculpture est la matière en elle-même et le voyage de la lumière sur celle-ci. Mon terrain de prédilection est le béton et le métal. Je suis plus particulièrement séduit par la réalisation de mobiles en acier inoxydable.

F.M : A quel moment le désir de devenir artiste est-il né ?

Mathias me répond avec sérénité et m’affirme qu’ « il n’est pas question de désir d’être artiste. Il est davantage question d’une sorte de nécessité intérieure d’être. C’est une envie, un désir de voyage et d’être en vie. C’est prendre conscience de l’univers qui nous entoure tel qu’il est vraiment. Un état d’être ».

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Ses mots pourtant simples sont envoûtants, Mathias me transporte dans son univers. Son art semble le porter vers des sphères inaccessibles qui le remplissent d’un bonheur inédit. Avec la simplicité époustouflante de ses réflexions, il affirme que sa « mission est de démontrer que nous ne connaissons que trop peu le monde qui nous entoure. Nous ne percevons qu’une fraction de la matière et ne percevons que ce que nous avons appris à voir. On sait qu’elle est là (la matière ndlr) évidente mais nous ne la connaissons pas. Je suis à la frontière de l’artisanat et de l’art. J’aurais pu emprunter la voie des travaux manuels mais c’est le dialogue avec la matière qui m’intéresse. C’est aux artistes de décoder les vrais langages du monde et d’analyser notre présence sur cette terre en matière et en spiritualité. J’ajouterai que l’art véritable est de trouver le point exact où se côtoient l’âme et la matière ».

La vision de l’art de Mathias porte un certain mysticisme qui n’est pas sans rappeler les réflexions des philosophes néoplatoniciens du XVe siècle, au premier rang desquels Marsile Ficin. Plus encore, sans pour autant établir un parallèle qui ferait hurler puristes, il me vient en tête cette citation de Léonard de Vinci « Le caractère divin de la peinture fait que l’esprit du peintre se transforme en une image de l’esprit de Dieu ».

F.M : Quand est-ce que cet art est devenu une réalité ?

M.S : C’est en 2010 que pour moi les premiers échanges avec la matière se sont éveillés et se sont, sans aucun doute, révélés. Aussi, je crois que l’on devient artiste quand on se donne pour mission de chercher le « Grand Art » ou tout du moins, créer un marqueur d’esprit pour une époque et une humanité, quelque chose de porteur pour le présent et l’histoire des hommes.

F.M : La vie d’artiste, une histoire de famille ?

M.S : Effectivement, ma famille n’y est pas pour rien dans mon statut d’artiste. Je suis à la croisée de plusieurs générations d’artistes plus ou moins connus. Nous avons la chance dans notre famille d’être des touche-à-tout artistiques. Quel merveilleux cadeau que d’avoir ces aïeux peintres, fresquistes, dessinateurs, sculpteurs et céramistes… Je pense aux plus connus : Hyppolite Flandrin, Marthe Flandrin ou encore mon arrière-grand-père, Jean Souverbie. L’avantage c’est qu’en matière artistique, personne ne m’a dit que cela n’était pas fait pour moi. On dira qu’il y avait comme un naturel évident.

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Pour rappel, Jean Souverbie a fréquenté l’Académie Ranson, du peintre éponyme, où il rencontre tous les nabis (Denis, Sérusier, Vuillard etc.). Son sujet de prédilection est le portrait féminin dont son modèle le plus représenté est son épouse. Plus tard dans sa carrière, il se spécialise dans les nus féminins qu’il traite d’une façon très cubique sur les conseils de son ami Pablo Picasso.

Cette vie d’artiste qu’il a choisi d’épouser n’est pas pour autant, comme on pourrait le croire, différente de celles des artistes des siècles précédents. Il me rappelle que « la vie d’artiste est un chemin, une aventure dont on ne peut se lasser malgré, peut-être, toutes les souffrances que cela implique… ».

F.M : Au sein de ta famille, qui a le plus influencé ton travail ?

M.S:  L’influence majeure est assurément le travail de mon arrière-grand-père Jean Souverbie. C’est lui qui par sa peinture m’inspire une certaine vision du volume. Pour moi, il peignait de la sculpture. Ses œuvres résonnent en moi comme aucune autre. Je perçois ses constructions, je ressens ses lignes droites accouchant sur des courbes, je vibre sur ses lignes serpentines débouchant sur des dégradés de matière, j’aime ces tonalités d’ocres composées dans des structures antiques. Bref cela me parle et ne cesse de bavarder en moi… 

F.M :  Quelles matières travailles-tu et pourquoi ? Comment choisis-tu tes sujets ?

M.S : J’aime à dire que les équilibres m’intéressent, l’équilibre des mobiles mais aussi l’équilibre des matériaux entre eux. C’est pourquoi je contraste mon travail avec d’une part, de la matière brute, à savoir le béton (sous toutes ses formes) et d’autre part, de l’acier inoxydable (sous toutes ses formes également) dans un mouvement contrapuntique élancé et fin.

Le ciment est un monde qui, à lui seul, explore tous les aspects de surface : lisse, rugueux, poli, mat…Il offre surtout une plasticité extraordinaire. Je ne connais pas d’autre matière si malléable et qui offre une telle pérennité. Je travaille aussi l’inox, lequel offre des transparences fabuleuses, des matières inédites, et, comme le béton, une pérennité absolue.

Mes sujets favoris sont les objets voyageurs dans les fluides. L’aérodynamisme me fascine. C’est pourquoi tout ce qui vole et nage me passionne. L’aérodynamisme comprend la ligne parfaite, le volume parfait, sans aucune volonté esthétique. Cette perfection se mesure par son adéquation pure avec la nature. Toutefois je trouve aussi, comme je le disais, une véritable source d’inspiration dans les œuvres de mon arrière-grand-père et les sujets que je suis amené à traiter d’une façon nouvelle sont ceux qu’il a traités.

F.M : Être artiste au XXI siècle, quels enjeux ?

M.S : Notre société souffre d’un mal : vouloir tout définir avec des mots, et nous savons qu’en art, il peut être dangereux de tout définir. Le rôle de l’art est aussi d’aller là où les mots ne peuvent aller. C’est pourquoi mon monde artistique est la matière. Il s’agit d’un mode d’expression tout à fait inédit dans lequel je me sens réellement libre.

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Mathias Souverbie entend transmettre des sensations, des émotions indicibles, indescriptibles avec des mots, au spectateur sans toutefois tomber dans l’art contemporain dénué de sens. Il me confie son ressenti à ce sujet : « j’avoue souffrir dans les musées d’art contemporain. J’y suis perdu et souvent un sentiment affligeant m’assaillit. Quand je contemple une œuvre qui ne tient que par un concept intellectuel, il manque pour moi l’essentiel. Je n’y trouve ni la lumière, ni les formes, ni l’équilibre ni le sens de la matière. Cela ne me concerne pas, la matière et mon esprit ne font qu’un. Quand il n’y a qu’un concept sans matière, sans forme, cela ne me parle pas. Ce n’est que du silence… ». Et c’est bien dommage que l’art qui doit donner un sens, une réponse à ce que les mots ne peuvent dire ne soit que silence !

Et de finir à propos de l’art contemporain « sans aborder la dimension souvent spéculative de la scène artistique

F.M : La spéculation financière autour de ton travail, pas pour toi ?

La réponse est non. Mathias est profondément engagé dans sa démarche artistique et avoue : « j’ai trop vu dans mon métier de mouleur, ces artistes qui font des «petits pains» en série. Ces derniers sont souvent malheureux et acculés dans leur production. Secrètement, ils rêvent d’autres choses et d’autres thèmes mais le marché les tient. Je veux conserver ma liberté de création et éviter le piège d’exploitation de l’art par la finance ». C’est dit ! Toutefois il sait qu’il faut rester prudent à ce sujet car « sortir de la zone de confort instaurée par le marché de l’art revient à sortir d’un certain schéma, et donc de perdre des occasions de ventes. Vendre pour un artiste, c’est l’assurance de pouvoir continuer ses réflexions artistiques, il ne faut pas l’oublier. La vente c’est aussi la reconnaissance de l’aboutissement d’une pensée créatrice. Ce que je veux dire par-dessus tout c’est qu’il ne faut pas vendre son âme ».

F.M : Le mot de la fin ?

M.S : Je veux que chaque œuvre soit réellement unique. L’œuvre n’est véritable que si elle transpire le labeur de son auteur et de son époque. Chaque œuvre, signée de mon sang, apporte une réponse, une émotion qui ne peut se dupliquer. Je ne veux pas d’œuvres issues d’un processus de fabrication en série quasi industriel. La beauté de l’œuvre d’art réside dans sa similitude avec l’homme : son unicité.

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La tulipe est introduite en Europe en 1560 par l’ambassadeur d’Autriche auprès de Soliman le Magnifique, dont elle était la fleur préférée. A partir de cette date, elle connaît un succès rapide, et les Pays-Bas du Nord s’en entichent particulièrement. Le goût baroque voit dans ces fleurs une occasion extraordinaire de laisser libre court à ses folies : dans les entrepôts hollandais, la proximité des bulbes et leur mode de transport inocule des maladies à ces fleurs, qui ont pour effet de brouiller leur expression génétique : certaines deviennent multicolores, d’autres présentent des pétales déchiquetés. Beaucoup développent, somme toute, des caractéristiques de métamorphoses bizarres, qui correspondent parfaitement au goût de l’époque.

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Cette fleur devenue étrange plaît tellement qu’elle fait l’objet de spéculations, notamment entre 1634 et 1637 : ses bulbes s’arrachent, la demande excède largement l’offre : la « tulipomanie » est née. La spéculation est telle qu’on peut acheter trois bulbes pour environ 30.000 florins, alors que les maisons les plus luxueuses d’Amsterdam se vendaient 10.000 florins, et qu’un artisan gagnait environ 300 florins par an. La tulipomanie conduit à la création d’une véritable bulle spéculative, qui explose en 1637. Selon certains, c’est le premier krach de l’histoire.

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Les singeries de Bruegel le Jeune

En ce sens, Jan Bruegel le Jeune peint une Allégorie de la tulipomanie, dans laquelle il présente des singes parodiant le commerce de cette fleur. On peut voir dans cette œuvre foisonnante de détails toutes les étapes du commerce du bulbe de tulipe. Le peintre choisit ici de remplacer les hommes par des singes ; connu sous le nom de singerie, ce genre connaît une grande vogue aux Pays-Bas au milieu du XVIIe siècle. Les singes y sont mis en scène en singeant, littéralement, les comportements humains de manière satirique : en l’espèce, le peintre s’attaque à la folie de la spéculation sur la tulipe.

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Dans le coin inférieur gauche, un singe arrose un parterre de tulipes, alors que l’un de ses congénères prend des notes : il liste les différentes variétés qui y poussent, une chouette sur son épaule. Généralement symbole de sagesse et de sagacité, l’oiseau, touché de cécité lorsqu’il fait jour, serait ici au contraire la métaphore d’un aveuglement cupide. Au centre de l’œuvre, un singe aux yeux écarquillés pèse l’un des précieux bulbes, pour lui faire correspondre son poids en or. Derrière lui, un singe comptable devant un amoncellement de pièces d’or et d’argent s’apprête à recevoir un nouveau versement venant d’un autre singe, lourdement chargé. Nombre de détails disent l’affolement spéculatif qui a eu cours à cette période. Notons un élément significatif dans le coin inférieur droit de l’œuvre, annonçant une évolution dans la narration : certains singes fort animés se battent, l’un pleure dans un mouchoir, tandis qu’un autre, au premier plan, urine ostensiblement sur plusieurs tulipes : ces fleurs, autrefois si chères, ont perdu toute leur valeur lors de l’éclatement de la bulle.

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 » Vanitas vanitatum omnia vanitas « 

La tulipe connaît également une grande fortune dans les natures mortes des peintres de la fin du XVIIe siècle. Elle agrémente parfaitement un bouquet à la mode, mais elle est surtout la fleur qui illustre le mieux le caractère transitoire des possessions matérielles. Parfois représentée accompagnée d’un crâne et d’un sablier, comme dans la fameuse œuvre de Philippe de Champaigne, elle invite à une méditation moralisante sur la vie terrestre. La tulipe, associée au crâne et aux instruments enregistrant le passage du temps, devient symbole de vanité, de l’insignifiance des choses matérielles et de la finitude inéluctable de l’existence.

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Le 425 Park Avenue(États-Unis)

Le 24 juin 2015, Foster + Partners a remporté le concours pour concevoir un gratte-ciel de 200 mètres de hauteur pour Lehman Brothers Holdings et son partenaire L & L Holding Company sur la très chic Park Avenue à New York. Cette tour de bureau, premier nouveau bâtiment depuis plus de 50 ans à occuper un bloc entier dans Park Avenue, présentera une forme conique d’acier et de verre.

« Notre objectif est de créer un bâtiment exceptionnel, à la fois contemporain et intemporel, tout en étant respectueux de son contexte », a déclaré l’architecte Norman Foster. Il a expliqué lors de la pose de la première pierre, que le bâtiment « établira une nouvelle norme pour la conception de bureau et deviendra le repère durable que mérite son emplacement de renommée mondiale. »

Le siège du groupe de presse Axel Springer (Allemagne)

Axel Springer a lancé une transition de l’imprimé vers les médias numériques. Son nouveau bâtiment sur le campus de Berlin agira à la fois comme symbole et outil dans cette transition – un bâtiment pour attirer l’élite de la Bohême numérique. Coupé par un atrium diagonal qui s’ouvre sur les bâtiments Springer existants, l’essence de la conception est une série de sols en terrasses qui forment ensemble une «vallée» créant une scène informelle au centre – un endroit pour diffuser des idées à d’autres parties de l’entreprise.

Le bâtiment sera situé en face du siège social actuel d’Axel Springer sur la Zimmerstrasse, une rue qui séparait auparavant Berlin-Est et Berlin-Ouest, à l’un des endroits les plus importants de la ville.

Le siège de l’entreprise Bee’ah (Émirats arabes unis)

L’architecte Zaha Hadid a conçu un bâtiment de 7000 m2 pour la société Bee’ah, basée au Moyen-Orient, qui sera entièrement alimenté par des sources d’énergies renouvelables. Un projet éco-responsable entre design et respect de l’environnement.

Bee’ah, première entreprise chargée d’apporter des solutions environnementales au Moyen-Orient, a commandité l’agence d’architecture Zaha Hadid Architects pour construire son nouveau siège à Sharjah. Ce bâtiment ultra technique, au design de dunes poussées et déformées par le vent, se fond totalement dans le paysage. Deux dunes reliées par une cour abritent les bureaux et l’administration. Cahier des charges de l’architecte : réaliser un bâtiment qui minimise la consommation des ressources et compense cette consommation par l’adoption de systèmes renouvelables. La surface architecturale sera essentiellement conçue avec des matériaux recyclés et sera exploitée par Bee’ah.

Le Datong Art Museum (Chine)

Le musée d’art de Datong, le «Musée du 21e siècle» de Chine est l’un des quatre nouveaux bâtiments majeurs de la place culturelle de Datong New City. La pièce maîtresse de l’édifice de 32 000 mètres carrés est la Grande Galerie, un espace d’exposition héroïque à l’échelle supérieure mesurant 37 mètres de haut et s’étendant sur près de 80 mètres, dans lequel des artistes seront chargés de créer des œuvres d’art à grande échelle. L’espace est flexible et efficace, les services sont intégrés à la structure et la galerie est accessible directement par un véhicule conteneur articulé de 40 pieds pour installer des sculptures à grande échelle, des équipements de scène et d’éclairage.

Extérieurement, la forme du bâtiment est conçue comme un paysage en éruption, avec seulement le haut du toit visible au niveau du sol. Tels les pics naturels, le toit est revêtu d’acier corrodé de couleur terre.

Le siège du groupe Le Monde (France)

Le Groupe Le Monde est une icône en tant que média dans le monde entier. Le Monde pour son nouveau siège, a choisi un modèle généreux, ouvert et accessible. Dans ce contexte, Snøhetta propose une architecture offrant au public la notion de propriété, mettant l’accent sur les relations intimes entre le public et Le Monde.

Structurellement, le site est divisé en deux parties. L’approche a été celle de la soustraction, prenant d’abord un bloc remplissant tout le site et soustrayant les volumes pour créer des zones d’entrée et des espaces publics. Le bâtiment devient un pont, enjambant le site, mais représentant également le pont entre Le Monde et ses lecteurs. Le pont occupé permet un contact direct entre les différents services de l’entreprise. Symboliquement, le pont relie les deux parties de la ville le long de l’avenue de France.

Au lieu de l’eau passant sous le pont, se trouve un espace public ouvert et accueillant, avec un centre d’accueil, une entrée d’auditorium et une entrée pour le personnel. La seconde moitié fait face au chemin de fer. Il reçoit plus de lumière directe du soleil, dispose d’un café et d’un aménagement paysager plus intime avec des sièges et des espaces verts.

Les plafonds voûtés sur la place représentent un flux transitoire d’informations, comme par exemple des nuages ​​ou des étoiles se déplaçant à travers le ciel. Ces surfaces auront des grappes de LED intégrées dans une grille de résolution relativement basse qui peut être programmée pour fournir un éclairage de base ou des niveaux de données plus ou moins abstraits.

L’extérieur du bâtiment sera recouvert d’une matrice pixelisée de verre avec différents degrés de transparence, de translucidité et d’opacité. L’intention est que la façade donne au bâtiment un caractère homogène vu de loin, mais révèle en même temps un plus grand niveau de complexité à l’approche de la vue – comme les titres et le contenu détaillé d’un reportage.

Le Musée Atelier Audemars Piguet (Suisse)

Le nouveau musée d’Audemars Piguet développé par le bureau danois Bjarke Ingels Group (BIG) et réalisé par CCHE en qualité d’architecte local et planificateur général du projet, sera composé de 3 différents bâtiments connectés sur le site du Brassus.

Le Musée Atelier Audemars Piguet abrite le musée existant, restauré pour mettre en valeur l’architecture de l’époque des fondateurs. Le bâtiment est une spirale émergeant du sol, reposant entièrement sur des parois de verre courbe et se combinant avec le plus ancien bâtiment d’Audemars Piguet : la maison de la famille Audemars. La spirale devient l’espace principal d’exposition et le bâtiment administratif existant garde quant à lui sa fonction actuelle.

Bien que la spirale constitue un véritable défi technique, les matériaux sont simples : de la végétation sur le toit, du verre pour les façades, du laiton pour les revêtements et les protections solaires. CCHE intervient de façon transversale en assurant non seulement le suivi du projet mais aussi les flux d’informations entre les parties prenantes, la collaboration avec les autorités, le contrôle qualité et l’exécution des travaux.

Le Poem Pavilion (Émirats arabes unis)

La scénographe britannique Es Devlin a été choisi pour créer le UK Pavilion à la Dubai Expo 2020, avec une structure performative qui utilisera l’intelligence artificielle pour écrire des poèmes. Appelé le Poem Pavilion, la structure sera le premier pavillon britannique créé par une femme designer. Il mettra en vedette un « message à l’espace » lumineux composé de nombreux poèmes générés par l’IA, auxquels les 25 millions de visiteurs de l’Expo seront invités à contribuer.

Le pavillon de 20 mètres de haut en forme de cône sera composé de rangées de lattes saillantes qui s’étendent vers l’extérieur à partir d’un point central pour former une façade circulaire. Des poèmes éclairés par des LED défileront sur la façade. Avec une poésie en arabe, chinois et français, ainsi qu’en anglais, Devlin espère que le pavillon donnera aux visiteurs de tous les pays et de toutes les cultures, un sentiment d’unification.

Ces différents bâtiments à la pointe de l’innovation, réalisés par les plus grands cabinets d’architectes ne sont certes pas au goût de tout le monde, mais tous sont remarquables par leur aspect technique.

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« On fait comme si tout était un jeu. On fait comme on peut », chante Calogero assis sur le siège de son piano. Comme le reste de la population française, le chanteur, originaire d’Échirolles (à quelques kilomètres de Grenoble), doit rester chez lui en raison de l’épidémie de coronavirus. Il en a profité pour écrire un morceau intitulé « On fait comme si » dans lequel il évoque le confinement.

Une aide au personnel soignant

« Comme vous, je suis confiné. J’ai fait une chanson avec un auteur qui s’appelle Bruno Guglielmi. On aimerait que cette chanson serve à quelque chose, alors on a décidé de verser tous nos droits et toutes les recettes de cette chanson au personnel soignant », a indiqué l’artiste.

Le morceau sortira le jeudi 26 mars prochain.

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S’occuper pendant le confinement, c’est la question que se posent beaucoup de Français. Pendant que certains lisent, rangent ou regardent un film, d’autres, faisant partie de la neurchi sphère^1, ont eu l’idée de détourner des œuvres d’art sur les réseaux sociaux.

Un travail de passionnés

Vous avez peut-être déjà vu leur création sur le net. Depuis jeudi, des fans de la bande dessinée Tintin regroupés dans un groupe Facebook surnommé « Neurchibald de Tintin » s’amusent à incorporer des éléments de la célèbre BD dans les tableaux du peintre Claude Monnet. Aujourd’hui, ils se diversifient.

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Nous vous avons sélectionné une dizaine de réalisations pleines de créativités :

¹ Un neurchi (« chineur » en verlan) est un groupe Facebook qui rassemble des membres, souvent jeunes, autour de thématiques très variées. Ils fédèrent le groupe en incitant les membres à partager des photos relatives à un sujet spécifique et véhiculent ainsi la culture du mème internet.

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On ne peut que se réjouir de pouvoir approcher de si près les œuvres de Poussin, de Tintoret, de Greco, de Ribera et autres, habituellement accrochées sur les hautes cimaises de musées parfois lointains. On note en effet des prêts des plus grandes collections publiques et privées du monde entier, à l’instar du Musée du Louvre, du Musée d’Orsay mais aussi de la National Gallery of Art de Washington, de la collection Thyssen-Bornemisza de Madrid et surtout du Pola Museum de Kanawaga (Japon).

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Cette exposition est l’occasion de redécouvrir les grands chefs-d’œuvre de la peinture occidentale des temps modernes, à l’aune du travail de Paul Cézanne (1839-1906). Le visiteur aura la joie d’admirer sur les cimaises du musée Marmottan-Monet les sujets chers au peintre : la Montagne Sainte-Victoire, le Château noir du Tholonet, le cabanon des carrières de Bibenus mais aussi ses si reconnaissables natures mortes.

En parcourant l’exposition « Cézanne et les Maîtres», l’influence de l’artiste éponyme sur les peintres occidentaux du XXe siècle est évidente: on trouve dans ses toiles non seulement une manière résolument nouvelle d’aborder la peinture, mais aussi les prémices du cubisme.

Le postulat discutable de l’exposition : l’influence des Maîtres italiens sur Cézanne

Néanmoins, si l’héritage de Cézanne est omniprésent tout au long de l’exposition, force est de constater que le lien entre sa peinture et celle des Maîtres est maigre. Le postulat de l’exposition serait de voir dans les œuvres de Cézanne une influence latine des XVIe et XVIIe siècles. Il s’agirait de prouver par une juxtaposition d’œuvres de peintres italiens à celles de Cézanne, son italianité. À la rigueur, cela se justifie avec le Greco qui était à la Renaissance d’une absolue modernité, peignant le motif avec des teintes saturées et s’éloignant de l’austérité de ses contemporains. Par ailleurs, il est admis que le Greco influença Cézanne puisque ce dernier réalisa une «Femme à l’hermine» intitulée «d’après le Greco». Si ce dernier est connu pour son œuvre en Espagne, il ne faut cependant pas oublier son long séjour en Italie.

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Concernant les autres œuvres exposées, le postulat du conservateur se justifie de manière beaucoup plus complexe. Le visiteur est appelé à reconnaître des similitudes dans la composition, dans la facture, dans l’atmosphère d’œuvres ayant le même sujet. Sans parler d’italianité, quoi de plus simple que de constater des ressemblances entre deux portraits d’un vieillard à la barbe blanche ou entre deux vanités au crâne…

Quant à l’influence que Cézanne aurait pu exercer sur le Novecento italien là encore, le visiteur est en droit de se poser des questions. Lesquelles ne trouvent pas de réponse dans la muséographie de l’exposition. Ainsi la dernière comparaison de l’exposition, censée éclairer d’un jour nouveau le lien entre Cézanne et la peinture italienne, est la mise en pendant d’une nature morte de l’impressionniste avec deux natures mortes de Morandi. Celle de Cézanne, au fond sombre, représente des poires et pommes sur un entablement, alors que les œuvres de Morandi représentent un pichet et des verres sur un fond clair. Aucune référence de couleur, de mise en scène, de dessin, de perspective n’est palpable.

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En résumé, cette exposition est l’occasion de voir la réunion exceptionnelle d’un beau corpus d’œuvres, mais qui n’a hélas pas les arguments de ses ambitions didactiques.

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La TEFAF en quelques chiffres c’est un peu moins de 300 exposants dont la majorité vient d’Angleterre (76 exposants), en deuxième place viennent les galeries françaises (57 exposants), ensuite les États-Unis, l’Allemagne, l’Italie, la Belgique, la Chine etc. La TEFAF c’est trois hectares d’espaces d’exposition, où sont présentés les plus beaux objets d’art (et les plus chers aussi) qu’a produit l’homme en 7000 ans d’histoire.

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Chaque année les plus grands collectionneurs, les plus grandes institutions, les plus grands conservateurs se pressent dans la petite ville hollandaise qui, le temps d’une semaine, se transforme en paradis pour grandes fortunes. Les hôtels se remplissent, les restaurants multiplient les services, les rues se parent de berlines luxueuses et de 4×4 puissants. Les manteaux de vison et les costumes anglais paradent en ville. Un air de raffinement bourgeois emplit la charmante Maastricht.

Une édition 2020 touchée par le coronavirus

Hélas cette année, le climat épidémiologique a affecté les habitudes des habitants  qui se réjouissaient d’accueillir pour la 33^e année de si nombreux visiteurs. Les conservateurs des musées américains ont été avertis par leur direction de l’interdiction de se rendre à la TEFAF, une grande partie des Italiens sont confinés chez eux. Fait le plus marquant, les visiteurs asiatiques sont totalement absents de la foire. Autant dire que les allées habituellement surchargées de visiteurs étaient clairsemées ce week-end. Le jeudi précédant le premier week-end de la foire, a lieu, comme à l’accoutumée, le vernissage : une soirée VIP où champagne et petits fours circulent entre les allées des prestigieux stands. La soirée eut bien lieu mais elle n’avait hélas pas la saveur des précédentes.

Toutefois il faut noter que malgré une baisse de fréquentation dûe au phénomène covid-19, la sélection des œuvres d’art demeure à un niveau élevé. Les plus grands noms de la peinture ancienne comme moderne cohabitent jalousement avec les plus grands ébénistes, maîtres joailliers. A l’étage de la foire, la partie art sur papier s’est agrandie. C’est un véritable musée éphémère où le visiteur peut admirer d’assez près,sans déclencher les alarmes, les œuvres des plus grands maîtres tels que Van Eyck, Poussin, Desportes, Monet, Manet, Sisley, Pissaro, Picasso, Hartung, Soulages… Une statue équestre de Louis XV par François Girardon, fait face à une commode Boulle époque Louis XIV. Trois allées plus loin c’est le mobilier de Paulin qui toise celui de Perriand ou encore du Corbusier. Dans la partie joaillerie, il est notamment possible d’admirer l’époustouflant diadème de diamants (100 carats) de la marquise d’Anglesay.

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Si la TEFAF accuse le contre coup de l’épidémie qui touche le monde, cette dernière a néanmoins résisté à la paranoïa générale en maintenant sa tenue alors que les grandes foires internationales (Salon international du livre de Londres, Salon de l’Automobile de Genève, Congrès mondial de la téléphonie mobile à Barcelone etc.) ont toutes été annulées au dernier moment.

Un événement à ne pas manquer qui se termine le dimanche 15 mars 2020. Prenez vos billets !

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En France, cette pratique grandissante répond à deux facteurs principaux. Tout d’abord ces projets sont généralement sollicités par des pays étrangers, mûs non seulement par une volonté de développement culturel, mais aussi parce que cette soif de culture se heurte au manque de collection que ces pays connaissent, collections qui restent par ailleurs essentiellement composées d’œuvres d’artistes locaux.

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Le deuxième facteur à prendre en compte concernant l’internationalisation des musées français est la baisse de subventions de l’Etat. Le Louvre fait figure d’exception – bien que cette tendance soit elle aussi en développement – avec ses 51% de ressources propres, car rares sont les structures qui ne dépendent pas majoritairement du budget alloué par l’Etat. La baisse conséquente de celui-ci contraint donc les musées à récolter des fonds autrement. Grâce à ses antennes étrangères (Bruxelles, Malaga et Shanghai), c’est sept millions que le Centre Georges Pompidou peut rajouter à son budget de fonctionnement annuel.

Une pratique réservée aux grands musées nationaux

Seulement, toutes les institutions en manque de subventions ne sont pas en mesure d’effectuer les mêmes démarches que le Louvre ou le Centre Pompidou. Puisque ces antennes résultent de la sollicitation du pays qui les accueille, non seulement elles dépendent de la renommée du musée dont elles sont originaires, mais elles nécessitent également que ce musée dispose d’une collection suffisamment importante pour pouvoir effectuer un prêt d’œuvres sans que cela n’impacte sur ses expositions temporaires. La faisabilité de ces projets repose donc également sur l’équilibre à maintenir entre foyers culturels émergents et foyers culturels historiques du monde.

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Une politique culturelle au service de la diplomatie

Il faut également noter le caractère diplomatique de cette mondialisation culturelle. En effet, ces « succursales muséales » sont le produit d’accords inter-étatiques et non inter-muséales. L’Etat français réalise ainsi une politique culturelle au service du rayonnement de la France. Il est d’ailleurs incorrect de considérer ses antennes comme des « succursales ». Par exemple, le Louvre Abu Dhabi n’est pas une émanation française du Musée du Louvre, mais bien un musée émirati, qui a acheté une licence de marque pour 30 ans, avec un prêt d’œuvres décroissant au fil des années, le temps pour les Emirats Arabes Unis de se confectionner une collection propre. L’internationalisation des musées est donc une opportunité diplomatique pour le pays prêteur, mais sert aussi le développement de quartiers culturels dans le pays receveur, à l’instar des jeunes Emirats Arabes Unis, qui ont commencé à se tourner vers l’international au milieu des années 50 en même temps que l’essor de l’exploitation pétrolière, ou encore de la Chine qui porte encore quelques séquelles de la Révolution Culturelle.

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Une opportunité de mécénat international pour les grandes entreprises

La renommée internationale ne concerne cependant pas que les nations. Ces projets sont aussi l’occasion pour des entreprises de s’associer à d’importantes actions de mécénat et ainsi de bénéficier d’une visibilité médiatique certaine. A ces entreprises nationales s’ajoutent également des organismes étrangers. Ainsi le Louvre est soutenu par différentes sociétés amicales, aux Etats-Unis par exemple, et bénéficie également de l’apport de Nippon Télévision au Japon.

De manière comparable bien que pas tout à fait équivalente nous pouvons également citer Chanel et le Grand Palais. Celui-ci s’engage dans plusieurs années de restauration profonde et se délocalisera pendant la durée des travaux sur les Champs-Elysées en différents pavillons, parmi eux le Pavillon Chanel, qui trouveront également une autre fonction lors des Jeux Olympiques de 2024.

Un outil de développement des publics étrangers

Si les antennes étrangères permettent au pays de développer ses publics, il n’est pas à négliger non plus qu’elles contribuent au développement des publics internationaux en France, dont le chiffre est en hausse de manière générale sur la dernière décennie, en provenance particulièrement de l’Asie de l’Est (au Louvre, la fréquentation étrangère était de 2.7 millions en 2001, 6.5 millions en 2014. Sur les 10 millions de visiteurs de 2018, 73% étaient étrangers dont 8% chinois).

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Coopération internationale scientifique

Enfin, ultime atout à prendre en compte : les apports scientifiques que de tels projets peuvent engendrer. L’internationalisation des musées est une réelle opportunité de coopération scientifique, par la recherche, le commissariat partagé d’expositions internationales, les fouilles, ou encore la découverte d’artistes étrangers issus de ces nouveaux foyers culturels à travers le monde.

Ainsi, malgré les contraintes budgétaires, celles de renommée, de faisabilité, de temps, au-delà des considérations politiques, c’est une véritable universalité de l’art et des pratiques artistiques qui se dévoile.

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Domenikos Theotokopoulos (1541-1614) naît en Crète au milieu du XVIe siècle. D’abord madonniero, c’est à dire créateur d’icônes, il quitte son île natale pour se rendre en Italie afin de parfaire ses connaissances artistiques. C’est en arrivant à Venise qu’il fut surnommé « Il Greco ».

En arrivant dans la ville des doges, Le Greco rencontre plusieurs grands artistes de sa génération : Véronèse, le Tintoret, Jacopo di Bossano et surtout le Titien auquel il aimera se mesurer, lui qui se définissait comme étant « le meilleur imitateur et connaisseur de la nature ». En 1570, quittant Venise pour Rome, il découvre la manière de Michel-Ange et loin de s’en émouvoir, la critique vivement.  Son séjour à Rome (1570-1577) s’ancre dans le mouvement de la contre-réforme au moment où le pouvoir clérical souhaite corriger les « dérives » maniéristes de la Renaissance. Lorsque le Pape Pie V demanda aux artistes peintres de « revêtir » les nus du Jugement Dernier de Michel-Ange à la chapelle Sixtine, le Greco proposa tout simplement de détruire le décor et d’en créer un nouveau en accord avec les nouveaux canons esthétiques. Il affirme pouvoir réaliser un décor tout aussi qualitatif. L’assurance de ce jeune peintre étranger choque et il lui est demandé de quitter Rome.

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Le Greco se mit en route et s’installa à Tolède en Espagne en 1577, où la politique de la contre-réforme mise en place par les Jésuites plaisait à sa personnalité quelque peu fanatique. Sans rival et pourvu de commandes importantes, il y développa sa manière très atypique qui fait aujourd’hui son succès : des corps souvent contorsionnés, des postures étirées, des formes tourmentées, des couleurs acides…

Artiste majeur de la fin de la Renaissance et du début du grand siècle, l’œuvre du Greco tombe dans l’oubli dans les années ayant suivi sa disparition, le Caravage lui ravissant le succès avec ses compositions modernes réalisées en clair-obscur. Tombant dans l’oubli le plus total, l’art du Greco refait surface à la toute fin du XIXe siècle.

Une exposition historique

L’exposition « Greco – La rétrospective au Grand Palais » à Paris qui se tient en ce moment et jusqu’au 10 février 2020 est un événement historique : c’est la première grande rétrospective de l’œuvre de l’artiste en France. La redécouverte du Greco au début du XXe siècle par les artistes provoque, au-delà d’un choc, une impulsion créatrice qui annonce le cubisme et les avant-gardes. Picasso sera notamment très influencé par l’œuvre peint du Greco.

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Quatre-vingts œuvres sont réunies au Grand Palais, soit un quart de la production de l’artiste. Inédit. Outre les grands sujets religieux très reconnaissables du Greco, le visiteur peut découvrir ou redécouvrir le talent hors norme de portraitiste du peintre grec. L’incroyable maîtrise du pinceau révèle un sens très développé de la psychologie des sujets qu’il représente : que ce soit le portrait du Cardinal Niño de Guevara ou le portrait du Frère Dominicain Hortensio Paravicino.

L’une des pièces phares de l’exposition est l’Assomption de la Vierge, prêté par l’Art Institute of Chicago. La pièce a été acquise en 1906 à Paris par un collectionneur américain et n’est jamais revenue sur le sol français.

Le plus de l’exposition ? Une scénographie très sobre laissant la lumière inonder l’œuvre de Greco qui se révèle par ses plus belles couleurs.

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Activité définissant l’homme dans son milieu naturel, la chasse s’est affirmée depuis fort longtemps en France comme une habitude culturelle. François Ier, grand amateur de chasse, avait créé les capitaineries (réserves de chasse autour des résidences royales). Être invité du roi pour les chasses royales était un grand privilège accordé à quelques dizaines de personnalités tout au plus. C’est sous son règne puis sous celui du Roi Henri II que les équipages royaux atteignirent une dimension conséquente, conservée jusqu’au règne de Louis XVI.

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A Chambord, Fontainebleau ou encore Villers-Cotterêts, François Ier bâtit de vastes demeures situées dans les forêts dans lesquelles il aimait chasser. Le roi, comme les autres chasseurs, appréciait vivre au quotidien avec des objets lui rappelant sa passion pour la chasse. De nombreux artistes ont collaboré à cette envie de voir le sujet de l’animal de chasse se transformer en motif décoratif. Un décor appliqué à tous les arts au cours des siècles.

François Ier commande à Benvenuto Cellini (1500-1572), un artiste italien, un tympan pour l’entrée principale du domaine royal de Fontainebleau. Il s’agit d’une sculpture en bas-relief qui représente une nymphe allongée au milieu des animaux de la forêt : des faons, des sangliers ainsi que des braques et lévriers. Le motif proéminent est une tête de cerf, emblème du roi, sur lequel la nymphe s’appuie. Le cerf représente la Prudence et l’Agilité, et par là même flatte le roi ainsi représenté.

Sous Henri IV est créé le jardin de la Reine (actuel jardin de Diane) à Fontainebleau que ceinturent de nouvelles constructions supportées par des arcades. A l’Est, une galerie superposée, dont celle du Rez-de-chaussée, appelée Galerie des Cerfs, tient lieu de salle de banquet après la chasse. Les murs sont ornés  de trophées de cerfs pris à l’occasion des laisser-courre royaux et d’une gigantesque peinture de Louis Poisson (?- 1613) représentant les grands domaines princiers ou royaux.

Louis XV avait le même rapport à la chasse qu’aux femmes : y passer beaucoup de temps. Alors que Louis XIV économisait en empruntant les équipages des autres et ceux de son fils notamment, Louis XV avait onze équipages de vénerie pour lui tout seul. Il commanda à Bachelier (1724-1806) et à Oudry (1686-1755) des massacres pour décorer Fontainebleau.

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Jean-Baptiste Oudry, est un peintre de renom formé par Nicolas de Largillière (1656-1746), qui abandonne le portrait pour la représentation animale. Il exécute pour le roi Louis XV une série de tableaux représentant ses chiens préférés (une partie de ces tableaux sont conservés dans l’appartement du Pape à Fontainebleau). Peintre ordinaire de la vénerie royale, Oudry suit les chasses royales et fait de fréquentes études dans la forêt de Compiègne. Il réalise même des cartons pour la série de tapisserie Les Chasses royales, exécutée à partir de 1733 à la Manufacture des Gobelins.

Le chasseur étant un fin gastronome, les arts de la table ne font pas exception à cette mode décorative. C’est ainsi que l’orfèvre de renom Jacques Roettiers (1707-1784) réalisa en 1736 pour le Duc de Bourbon un extraordinaire surtout de table en argent dans le pur style rococo. La pièce décorative en argent fondu et ciselé met en scène un hallali de cerf et un loup pris au piège. Outre les orfèvres, la manufacture de Porcelaine royale de Sèvres comme les faïenceries régionales ornent le fond de leurs assiettes de motifs de chasse. Les terrines en forme de lièvre se développent.

Avec l’abolition des privilèges, dont la chasse faisait partie, la bourgeoisie goûta aux plaisirs de la chasse et se familiarisa avec le décor cynégétique. Les intérieurs bourgeois se parèrent de toile de Jouy aux attributs animaliers, de papiers peints de la maison Zuber, de gravures de chasse comme celles de Carle Vernet (1758-1836). Le XIXe siècle voit éclore l’âge d’or de la sculpture animalière avec des artistes de renom comme Antoine Louis Barye (1796-1875) ou Pierre-Jules Mène (1810-1879). Le premier assista avec Eugène Delacroix (1798-1863) à une séance de dissection d’une lionne en 1829, ce qui permit de savoir dessiner et modeler parfaitement les muscles saillants du lion. Barye prenait des mesures, alors que Delacroix plus romantique dessinait un rendu, une impression, sans prise de mesures (Etude de Lion écorché).

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Outre le décor et les arts de la table, il convient de mentionner l‘existence d’un réel travail d’artiste encore vivant en ce qui concerne les tenues d’équipages, notamment en ce qui concerne les boutons. L’artiste Emmanuel Frémiet (1824-1910) en a réalisé d’uniques pour Paul Rattier.

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